lunes, 22 de diciembre de 2008

Analógico vs. Digital

Leyendo en foros e incluso hablando con profesionales y amigos surge siempre el debate de si es mejor el audio analógico o el digital. La discusión nunca llega a su fin ya que emergen una larga lista de comparaciones y declaraciones de ambas partes defendiendo y atacando sucesivamente tanto lo digital como lo analógico.

Pienso en los años 80 con las primeras baterías electrónicas quienes buscaban reemplazar con ellas a un baterista y nuevamente las discusiones acerca de que era mejor o peor. y de golpe me viene a la mente la frase de Antonio Escohotado cuando dice 'Las drogas no son malas, es malo lo que el hombre hace con ellas'. Con esto quiero decir ¿porque siempre que aparece algo pensamos que esto viene a reemplazar a lo anterior?, ¿ porque las cosas sean tecnología, gente o simplemente ideas no pueden convivir entre si? ¿porque no sumar en vez de cambiar? ¿porque nos encaprichamos en comparar esperando obtener un ganador en vez de buscar lo mejor de cada cosa y hacerlas convivir?

Creo que el audio digital presenta una característica indiscutible que es su movilidad. El hecho de tener un estudio móvil montado en una notebook y los accesorios para que funcione en una valija. La posibilidad de viajar por el mundo grabando era algo inexistente en épocas de equipos altamente costosos, voluminosos y pesados. Y acá ya no estamos discutiendo que es mejor o peor sino que descubrimos dos herramientas distintas diferentes que pueden de hecho convivir entre ellas y que cada una en lo suyo, no deja de ser maravillosa.

Les dejo este vídeo que llego a mi y del cual no tengo demasiados datos, pero como verán apoya 100% lo que digo.

Playing For Change: Song Around the World | Stand By Me from Concord Music Group on Vimeo

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domingo, 21 de diciembre de 2008

Tocando armónicos

Navegando en un foro Hispasonic encontré un vídeo de Badi Assad, guitarrista a quien no conocía, en el nos muestra como utilizar la técnica de 'tocar armónicos' en la guitarra.

En el artículo Algo Sobre Armónicos ya habíamos expuesto el tema explicando como saber que notas encontraremos en cada sitio así que les dejo el link para los que quieren leerlo. Resumiendo podemos decir que colocando el dedo que produce el armónico sobre la octava de la nota que este dando la cuerda (sea esta pulsada o al aire) obtendremos la octava de dicha nota. colocándolo en la quinta obtendremos la doceava (quinta), colocándolo en la cuarta la doble octava, colocándolo en la tercera mayor una tercera mayor 2 octavas arriba, y así sucesivamente iremos obteniendo todos los armónicos de la cuerda.



En los artículos Andy Summers: acordes y tensiones y Egberto Gismonti y la guitarra de 10 cuerdas pueden ver otros ejemplos del uso de esta técnica.

Gracias Pirator!!!!!!!!

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viernes, 19 de diciembre de 2008

Seminario de Guitar Craft en Argentina


Durante este seminario será presentada la Nueva Afinación Estándar y los principios al Trabajo en Círculo con guitarras. Una introducción a la técnica utilizada en Guitar Craft.

Esta abierto a mayores de 18 años y a todos los niveles de experiencia en la guitarra.

El foco principal es en el uso de ambas manos, coordinación y dirección de la atención. El trabajo será en guitarras acústicas con cuerdas de metal y con el uso de púa.

Habrá específicas instrucciones sobre el uso de nuestro cuerpo, atención y técnicas de relajación.

La dirección estará a cargo de miembros de The League of Crafty Guitarists.

Una profesora certificada en la Técnica Alexander dará clases grupales e individuales durante el seminario.

Para más información:

http://www.guitarcraft.com/calendar/165

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lunes, 15 de diciembre de 2008

Pat Metheny (parte 2)

por Ricardo Murad
ver Pat Metheny (parte1)


SONIDO "TROMPETERO" O SINTETIZADO
El sintetizador es un instrumento electrónico, que produce una amplia variedad de sonidos diferentes. Los sintetizadores deben ser tocados desde un controlador. Los primeros sintetizadores cuyo origen debemos al Dr. Robert Moog eran "controlados" desde un teclado, allí por el año 1964.
A comienzos de la década del '80 Roland comenzó a ser virtualmente líder en la fabricación de los primeros sintetizadores controlados desde una guitarra. Esto significó la solución de un problema fundamental, ya que los sintetizadores trabajan con variaciones de nivel de voltaje. Operando el sinte desde una guitarra, este debía "saber" en cada momento qué nota se estaba tocando; para esto se utilizó este voltaje para controlar las notas básicas con un sistema llamado controlador de oscilación de voltaje (VCO). Este sistema en conjunción con otros filtros controladores de voltaje producen una buena cantidad de sonidos diferentes (VCF:VCA:ADS:ADSR etc.). Estos sonidos generados por el propio sinte pueden ser mezclados con el sonido de una guitarra normal. De esta forma se puede balancear a piaccere nuestro sonido normal con una estela de sonido del sinte, o utilizar únicamente el sonido del sinte o en los sintetizadores polifónicos (un circuito independiente para cada cuerda) como en el caso del Roland GR-300 que nos ocupa, adjudicar a algunas cuerdas sonido sintetizado y a otras sonido normal. También se puede, una vez afinado el control principal en la afinación normal, subir o bajar octavas en los dos "pitch" del que dispone este sinte. Esto es muy útil para comenzar una canción con una afinación determinada, y a medida que el clima va subiendo cambiar al "pitch" a una afinación mucho más aguda para elevar el dramatismo. Acceder a esas notas agudísimas no tiene más secreto que presionar el pitch correspondiente. Esto es algo que, como veremos, utiliza con frecuencia Pat en las canciones ejecutadas con este sinte.

El controlador del sonido trompetero de Pat es una guitarra Roland GR-303, en realidad, como verán en las fotografías, lleva dos idénticas con la única diferencia del vibrato en un a de ellas. Esto es un dato curioso ya que la guitarra lleva originalmente un vibrato electrónico en la pastilla de agudos en un cajetín de metal plateado que aloja la pastilla y se acciona con el sistema "soft touch". Al rozar con la yema del dedo la parte superior del metal se acciona y se corta tocando la parte inferior, esta parte sirve, también para obtener el efecto de vibrato mientras se toca cortándose al quitar el dedo.
El responsable directo de estos sonidos, la pastilla hexafónica o "hexa", puede verse alojada entre el puente y la pastilla de agudos.
Existe también otra posibilidad de controlar un sintetizador Roland, considerando la dudosa posibilidad de hacerse con uno de estos instrumentos, ya que como había mencionado anteriormente, tienen, como los buenos whiskies, "12 years old". La otra alternativa es montar en nuestra guitarra una pastilla GK-1 o GK-2, que es un set que consta de pastilla Hexa, un pequeño módulo con controles y un cable. Particularmente considero muy difícil concentrarme en la música, en medio de este montaje digno de Robocop.

Para los que piensen de esta manera queda otra solución: acoplar este cablerío en el interior de una stratocaster, por ejemplo dejando en la superficie sólo la pastilla hexa y el acceso a los susodichos controles, quedando todo el invento tapado por el golpeador, aunque esto merece un artículo aparte.

El otro gran tema a considerar aquí es nuevamente la digitación, ya que además de la influencia normal en el sonido final, debe aquí adecuarse la técnica de la digitación a las posibilidades concretas inherentes a este tipo de instrumento. Esta práctica debe afrontarse sin ningún tipo de preconceptos, abiertos a las posibilidades del instrumento.
En música como en fotografía hay imagenes o sonidos diferentes pero no necesariamente mejores o peores, las diferencias en todo caso han de ser estéticas. Una foto con mucho grano u otra movida pueden no estar de acuerdo con "las reglas de la fotografía" y sin embargo ser mucho más sugestivas que una foto de reglamento.
Es obvio que los que se adentren en el mundo de instrumentos con nuevas tecnologías son gente inquieta y aunque estemos hablando de agua pasada, o sea sintetizadores de guitarra, cuando ya hay varias generaciones de midi, podríamos considerar el sonido trompetero de Pat como un clásico, como en su momento fue el Fender Rodhes, dada la influencia que ha ejercido en muchos otros músicos.

La otra cuestión, y sigo con mis analogías fotográficas es: ¿blanco y negro o color?, es decir, hay miles de detractores de los sonidos sintetizados y hay millares de grupos sonando igual. Si bien esto es cierto, no es un problema de instrumentos, sino de personalidad, de contenido musical o lo que es lo mismo de contenido personal. Si hay un músico vacío detrás de un instrumento la música no puede ser otra cosa que "vacío". La escalada comercial de la música "New Age" así lo atestigua. Pero esta estética del vacío no es sino una faceta más de un moderno "way of life", pero ese es otro asunto.
Afortunadamente la otra cara de la moneda está representado por gente como Bill Frisell del que nadie recién duchado podría confundir, a pesar de su guitarra sintetizada, o el mismisimo John Mc Laughlin con su guitarra "Photon" de GIBSON, que es lo ultimísimo en guitarra sintetizada o el propio Pat, y es que cualquiera de estos músicos, independientemente del instumento que utilicen, ya sea una guitarra sintetizada, una acústica o una de cuerdas de nylon, nos siguen ofreciendo el mismo nivel interpretativo.
Pat Metheny que es considerado por Mike Stern como el más grande guitarrista de bop (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis), incursiona en el cool o el free jazz con la misma naturalidad con la que interpreta un bossa nova de Antonio Carlos Jobim.
El propio Miles Davis, que ha evolucionado con el jazz en todas sus corrientes, desde la época de Charlie Parker, desarrollaría en la década de los '50 su sonido "cool" (fino, flexible) determinó una manera de tocar "fresco sin ser frío". Esas notas estiradas que sugieren más que muestran, y que Pat hace referencia cuando toca su Roland, utilizando el registro de trompeta y el compresor del sinte que le permite sostener la nota como hace Miles. Esto es una opinión personal, pero es curiosa la similitud en como Miles, ante la imposibilidad de seguir las vertiginosas evoluciones de su maestro y amigo Dizzy Gillespie, se decanta por un estilo más mesurado y sugestivo como el "cool", mientras Pat ha declarado que cuando dejó la banda de Gary Burton pensó en formar un grupo propio porque no quería, y además no podría, tocar cosas como en la Mahavishnu. Escuchando los primeros discos de Pat, podemos apreciar su "charme" personal como dice Gary Burtion y su sentido de la melodía, pero no podemos compararle con muchos velocípedos a dedos como Larry Corriel o Al Di Meola, y es que entre la velocidad y la expresión me quedo con esta última, si no escuchen el disco de Mc Laughlin-Di Meola-De Lucia.
Finalmente podemos relacionar la influencia del free jazz (años '60) y la música harmolódica de Ornette Coleman, sobre todo cuando utiliza esa rara versión de la Roland 303, que tiene un suplemento de madera en la parte inferior con un montón de leds rojos titilantes desde donde se puede acceder a los distintos patchs programados y que suele utilizar mezclando el sonido natural de la pastilla de graves Humbucking de la Roland con sonido de saxo alto, adjudicado a las cuerdas graves.
Las controles de la guitarra sintetizada y el sintetizador deben colocarse según los programas, para el zoom 9002 y el ampli valen los programas del sonido 175, las cuerdas igual que en la 175 son D'Addario Chromes 0.11; las púas que dan mejor resultado son las duras de perfil agudo como las Dean Markley amarillas (.96mm), ya que las Fender o Gibson heavy o medium dan un sonido más "redondo", más grave, y considerando que controles, ampli, cuerdas todo es en plan cálido el sonido con estas uñas engorda demasiado.

NOTA:Después de la entrevista descubrí mi error en esto, ya que si bien las púas duras como las D.Markley funcionan bien, Pat utiliza las Fender thin que son mas difíciles de controlar y sobre todo con cuerdas 0.11, pero he comprobado que con ellas se obtiene un sonido todavía mas personal y sobre todo más expresivo.Este aspecto de la digitación es probablemente uno de los puntos mas importantes.

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martes, 9 de diciembre de 2008

Recuperando la dinámica

Desde hace algunos años la industria discográfica se ha subido a una suerte de guerra del volumen. Los discos cada vez tienen mayor volumen. Esto no tiene que ver con fines artísticos sino netamente comerciales. Cuando mi tema suene que suene mas fuerte que el anterior. lo mismo que sucede en la televisión o radio con las propagandas que siempre están a mayor volumen que los programas como una forma de obligarnos a escuchar aquello que nos quieren vender.

Lamentablemente el volumen no se inventa, y para conseguir mayor volumen se recurre a extremos de compresión que destruyen la dinámica. Es decir la diferencia entre el pianísimo y fortísimo en un cd prácticamente no existe.

Quienes hayan tenido la suerte de escuchar música en vinilos recordarán esos largos pasajes pianísimos en los que uno subía el volumen para poder escucharlos bien y recordará también como mas de una vez habrá corrido a bajar el volumen cuando entraba la parte fuerte en medio de la noche por temor a despertar al vecindario. Eso que la música en vivo nos permite escuchar fue muerto en el CD.

La dinámica es expresión, clima, misterio, algo fundamental en el arte. Permite desarrollar nuestros sentidos, refinarlos. Nos permite gozar. Piensen en el sexo sin una caricia, un beso, un momento de seducción, una mirada previa. La dinámica es juego, es descubrir, es aprender a sensibilizarnos, a detenernos a observar, a sorprendernos, a conmovernos.

Veo con esperanza el incidente ocurrido con la edición de 'Death Magnetic', ultimo disco de Metallica. Tal vez la gente este volviendo a escuchar. Si volvemos a escuchar es probable que luego volvamos a escucharnos unos a otros. Tal vez luego comencemos a ver.

No dudo de que los fans de Metallica han aportado su grano de arena y los saludo por eso.

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lunes, 8 de diciembre de 2008

Amplificando acústicas en vivo

Amplificar en vivo guitarras acústicas y/o españolas puede resultar algo conflictivo en el escenario. Los micrófonos piezoeléctricos colocados bajo el puente toman solo el sonido de la cuerda entregando normalmente un sonido pobre en cuerpo y graves con gran ataque y nitidez. Uno de sus grandes problemas es la pérdida absoluta del sonido de la caja del instrumento siendo esto especialmente notable en estilos como el flamenco en los que se percute sobre la tapa del instrumento. Por otra parte los micrófonos de condensador que son los ideales en cuanto a sensibilidad para tomar un instrumento de tan poco volumen como es una guitarra, puede presentar problemas sobre el escenario debidos precisamente a su alta sensibilidad. Son preferibles los micrófonos de diafragma pequeña (6mm) y por supuesto un escenario con un volumen pequeño.

Muchos guitarristas utilizan una técnica mixta a la hora de amplificar su instrumento en vivo mezclando el sonido de línea con el de un micrófono de condensador. Esta técnica a sido incorporada por algunos fabricantes de guitarra que incorporan además del citado piezoeléctrico bajo el puente un micrófono de condensador dentro del propio instrumento con controles que permiten ajustar el balance entre ambos micrófonos.

En el vídeo vemos una sensacional versión del tema Frevo compuesto por el compositor brasileño Egberto Gismonti interpretada magistralmente por John McLaughlin y Paco de Lucia. Si observamos veremos que McLaughlin utiliza un mix entre el sonido de línea de su guitarra y un condenser ubicado muy cerca de la tapa entre la boca y el mástil de su instrumento. Por su parte de Lucia utiliza únicamente el sonido del micrófono de condensador ubicado al parecer (el vídeo no permite apreciarlo en detalle) algo mas alejado de su instrumento.

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domingo, 30 de noviembre de 2008

Pat Metheny (parte1)

por Ricardo Murad

SONIDO CLASICO (Gibson 175)

Los elementos con los que vamos a trabajar son una guitarra; una unidad multi-efecto, un amplificador y la cadena de sonido.

LA GUITARRA de Pat, una Gibson 175 D , es de caja grande con dos efes caladas en la tapa de arce, tiene dos pastillas, una R-4 y la de agudos L-6, de las cuales sólo utiliza la de graves, mientras que la de agudos y el selector de micrófonos fueron tempranamente eliminados, así como también los controles de volumen y tono correspondientes. Por lo tanto este sonido característico es producido por la pastilla de graves.

El control de tono deberá ajustarse en la zona del 2/3 del lado de los graves y - esto es muy importante - el volumen, mientras más salida tenga, más cuerpo, más efecto como si llorara se irá incrementando sobre todo en las notas más agudas. Esto se puede reforzar como un poco de "gain" en el ampli entre 2 y 3.

La pastilla de agudos tuvo distintos huespedes, según el año y formación de las distintas visitas que Pat realizó a España. En el año '86 en la X edición del Festival de Jazz de Vitoria, de la efe inferior de su 175 salía un cable que terminaba en un micrófono "hexa", de esos que montan las Roland sintetizadas, el que a su vez estaba montado en un suplemento rectangular de plástico negro, que ocupaba el lugar original de la pastilla de agudos, en el lugar vacío de los controles de la misma, se podía observar un control de volumen y un conmutador, probablemente para mezclar sonido limpio con sintetizado. En este concierto se presentó con Charlie Haden y Billie Higgins.

En 1987 repitió visita, debido a la gran acogida del público; esta vez con el Pat Metheny Group, en esta ocasión la camaleónica 175 alojaba un soporte para una pastilla GK-1 de Roland, del micrófono hexa situado como es natural entre el puente y la zona (vacía) del micro de agudos salía un cable que describía un semicírculo hacia hueco de la efe superior, en teoría faltaba el panel de mandos del GK-1. Los controles de volumen y conmutador habían desaparecido. Quizás este fue el final de la aventura sintetizada de la 175. Esta es la última versión que conozco, la misma de los últimos conciertos que he visto hasta la fecha.

LA UNIDAD MULITEFECTO en cuestión reemplazaría en plan casero al efecto producido por la salida estéreo de la señal de la guitarra posteriormente tratada con reverberación digital (como ya se adelantó en Guitar Player). El programa de la unidad (un zoom 9002) es bastante sencillo y se basa fundamentalmente en un flanger muy ténue, muy poca compresión y algo de delay. Cabe destacar que este programa vale tanto para la 175 como para el sonido trompetero de la Roland y también para la acústicas.


EL AMPLIFICADOR: en la prueba he utilizado un Fender "The Twin" (por su sonido limpio) valiéndome de la posibilidad de este ampli de mezclar la señal del canal limpio con la del canal 2 para utilizar el control "gain" como comentaba al principio. Básicamente el canal limpio: agudos al mínimo; tope de medios; graves en el 7 aproximadamente. El canal potente: gain 2/3 agudos, medios y graves igual que el canal limpio; presence al máximo y si tiene reverberación ponerla en 4. Los controles de volumen un 2 para el canal limpio y 1 para el otro, obviamente esto depende del sitio que tengan para tocar pero la mezcla en esa proporción.

NOTA: Hay una posibilidad de rizar el rizo y consiste en sacar con un cable en forma de "y" dos salidas de guitarra. Una hacerla pasar por el ampli como describía anteriormente, y la otra llevarla a nuestra cadena con sonído directo de la guitarra y balancear el sonido de ambas fuentes para que haya un sonido gordo y limpio de base y el sonido "flanger" que persista cuando haya decaído el limpio. Esta manera es la versión que se ajusta casi al sonido original.

Hay todavía una posibilidad más, para no anular el equipo de sonido, si lo utilizamos para tocar con nuestros idolos. Esto consiste en dividir la salida del preamplificador del bucle de efectos justo antes de entrar en el ZOOM, de tal forma que hacemos entrar una a la entrada del ZOOM y la otra a una de las dos entradas del ampli. De esta manera obtenemos una señal tratada y otra no, aunque para esto hay que modificar levemente el programa del ZOOM.La modificación es debida a que la señal que sale del multiefectos es mas fuerte que la limpia, ya que la unidad debe tener la salida en "High" para evitar ruidos y esto repercute en el sonido total. Para eso debemos programar menos compresión y menos salida en la unidad multiefectos a fin de poder balancear adecuadamente el sonido final.

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sábado, 29 de noviembre de 2008

Pua Vs. Dedos

Muchos alumnos me preguntan sobre la conveniencia de estudiar una u otra técnica como si esto fuera algo excluyente. Mi respuesta invariable es que cuantas mas herramientas tengamos a nuestra disposición mayores recursos expresivos tendremos.

Una de las grandes posibilidades que nos brinda usar los dedos en vez de la púa es la de disponer del pulgar para construir líneas de bajo oponiéndose a los dedos índice, medio y anular quienes se encargarán de ir tocando melodía y armonía. Esta técnica nos permite un enfoque mas pianístico de la guitarra que nos puede resultar de suma utilidad si estamos tocando solos o en formaciones pequeñas.

En este sentido es bueno recordar que si bien no hay reglas escritas cada técnica suele conllevar un estilo con ella y está en nosotros saber aprovechar esto o por el contrario utilizarla abordándola desde un lugar radicalmente distinto al supuestamente correcto.

Les dejo un vídeo de las posibilidades técnicas de abordar una guitarra eléctrica con técnica clásica o de dedos o como los del norte llaman, Fingerstyle (no confundir con Fingerpicking ni con ChickenPicking por favor !!!!).

Tuck Andress ejecutando Man inThe Mirror de Michael Jackson.


Aprovecho para saludar al gran guitarrista y amigo Pino Enriquez que me paso el vídeo.

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jueves, 13 de noviembre de 2008

Feliz Cumpleaños!!!

Sonido de Guitarras cumple un año. En este tiempo hemos publicado 106 artículos y contado mas de 42200 visitas!!!!.

Queremos agradecer a nuestros 30 suscriptores y también a la gente que se ha sumado a colaborar como el caso de nuestro amigo Ricardo Murad quien nos ha hecho llegar jugosas entrevistas que seguiremos publicando en el blog.

También agradecer a todos aquellos que se han acercado por consultas concretas algunas de las cuales se han convertido en artículos del blog.

Esperamos poder seguir creciendo en nuestro segundo año de vida. Como novedad realizaremos en los próximos días una Clínica de guitarra, efectos y sonido, en la Ciudad de Buenos Aires - Argentina.

Una gran abrazo y gracias de nuevo por segir el blog!!!!!

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martes, 11 de noviembre de 2008

Clínica de guitarra, efectos y sonido

Clínica 480x680

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lunes, 10 de noviembre de 2008

Yngwie Malmsteen

Pionero y precursor del metal neoclásico el sueco Yngwie Malmsteen posee envidiables técnica y virtuosismo incorporando elementos de la técnica de digitación del violín al estilo de Niccoló Paganini. Su estilo se caracteriza por el uso de escalas menores (antigua, armónica y frigio).

Su sonido se caracteriza por el uso de guitarras Fender Stratocaster (Yngwie Malmsteen Signature Model equipada con micrófonos DiMarzio y trastes escalopeados o cavados en las zona mas aguda del mástil) y Amplificadores Marshall MKII de 50 watts que utiliza a su máxima potencia.

Malmsteen utiliza un arsenal de efectos entre ellos El DOD 250 Overdrive Signature Model desarrollado por la firma DOD, delays Korg DL3000 y TC Electrnonics 2290, Wah-wah Cry Baby y una pedalera de bajos con la que controla sonidos via MIDI. Todo esto es manejado por los controladores Custom Audio construidos por Bob Bradshaw.

Les dejó fragmentos de una clínica realizada para Reh Hotlines donde nos muestra como ejercitar parte de su técnica y sonido.





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viernes, 7 de noviembre de 2008

Adrian Belew

Adrian Belew es uno de los guitarristas mas interesantes que ha dado la escena norteamericana fuera del ámbito del jazz. Ha sabido moverse entre el rock, pop, progresiva y experimental fusionando de manera increíble estilos y sonidos. Si bien su labor mas conocida sea tal vez la realizada junto Robert Fripp en King Crimson, Belew cuenta con una extensa discografía solista y ha trabajado como guitarrista de músicos tan disimiles como Frank Zappa, Talking Heads, David Bowie, Paul Simon, Herbie Hancock, Laurie Anderson, Nine Inch Nails, Cindy Lauper y Tori Amos entre otros.

Belew es un gran investigador y acostumbra estudiar otros instrumentos (piano, violoncello, contrabajo, batería, etc.) técnicas que aplica al abordar la guitarra desde otras perspectivas. Trabaja con diferentes afinaciones y es un maestro usando y explotando las nuevas tecnologías, ya en los años 80 Fender le fabricaba guitarras equipadas internamente con el sistema hexafónico de Roland.

En la actualidad utiliza una guitarra Parker Fly especialmente diseñada para él en la que pidió que se incluya 'todo elemento tecnológico existente'. La guitarra cuenta con tecnología MIDI. con el sistema Variax de Line 6, con el Sustainic System y con el habitual micrófono piezoeléctrico utilizado por Parker.

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miércoles, 5 de noviembre de 2008

Coral Sitar

por Ricardo Murad

"En los años ‘60, durante la época ‘hipidélica’, las influencias indias con los Beatles y los Rolling Stones a la cabeza, han utilizado el sitar como instrumento regular en muchas de sus producciones discográficas, aunque ni el mismísimo George Harrison llegó a dominar este instrumento tomando clases en la india.
Vinnie Bell, un músico de estudio de la costa oeste de USA , tuvo la idea de construir una guitarra que imitara el sonido del sitar, y finalmente Danelectro la construyó en serie en 1967/68, bajo el nombre de ‘Coral Electric Sitar’. La enorme demanda del instrumento y la circunstancia de que Danelectro finalizara su fabricación, dificultó la posibilidad de adquirir esta guitarra, siendo la única posibilidad hacerlo de segunda mano. La cotización de este instrumento bien conservado podría alcanzar varios miles de dólares.
Jerry Jones, un gran aficionado a los productos de esta compañía, estaba trabajando en la reconstrucción de pastillas de bobina simple ‘Lipstick’, así como también una versión clónica del Coral Sitar original a la que denominó ‘Electric Sitar Jerry Jones’.

El cuerpo de esta guitarra es hueco, con un marco de madera muy liviana, y capas de esta madera para la tapa y el fondo. Su peso es bastante ligero. El mástil es muy fino, ensanchándose hacia la zona de la pala. El diapasón es de palorosa, bastante estrecho. Acostumbrarse a tocar esta guitarra no demanda demasiado esfuerzo, sobre todo si se está acostumbrado a utilizar guitarras con una posición de cuerdas tipo ‘low action’, es decir bastante cercanas al mástil. Al principio hay que controlar los movimientos de la púa para no chocar con el protector de acrílico. La fijación al cuerpo es por medio de cuatro tornillos grandes de metal, y presenta un aspecto muy sólido, así como todos los acabados en general. Tiene 21 trastes normales, perfectamente regulados. El sistema para regular el mástil se halla entre la pastilla del mástil y el final del mismo. Esto significa un cambio en positivo para esta revisión del modelo original, reclamado por las revistas especializadas, ya que el primer modelo construido por Jerry Jones, no permitía ninguna forma de corrección. De alguna forma, esto se explica por el preciso ajuste que necesita para sonar como un sitar. Este efecto se logra forzando un trasteo muy preciso, y estudiado por medio de un ángulo muy pequeño ente cuerdas y trastes, este concepto se repite con el puente donde cada cuerda tiene su ángulo preciso, siendo necesario unas medidas de cuerdas específicas para que todo funcione.
El puente también ha sufrido una mejora, ya que la fórmica de la que estaba construido, pasa a ser de caoba. Solo se puede regular en altura. Lleva tres pastillas de bobina simple encapsuladas en metal plateado, por este motivo se denomina ‘Lipstick’ o lápiz de labios. La posición de estas pastillas es la habitual, con excepción de la tercera, ubicada en la parte superior de la guitarra, que recoge el sonido del segundo cordaje. Este está formado por trece cuerdas .010, afinadas en la escala cromática, donde la primera va afinada en el “mi” del traste 12 de la guitarra, y la última una octava más alta, aunque esta afinación puede variar a gusto del músico. Como es habitual en este tipo de pastilla, cada una posee un control individual de volumen y otro de tono. Las trece cuerdas de resonancia funcionan de forma independiente de las otras y no intervienen en su particular sonido. Se llaman de resonancia, porque en principio deberían transmitir vibraciones a través del cuerpo del instrumento, y por simpatía en determinadas notas, pero por el tipo de construcción semisólido, esta característica no funciona de esta manera.

El sonido de esta guitarra es único e imposible de imitar y la guitarra en sí con sus impecables acabados y su sugestiva forma hace que sea un instrumento realmente especial. Las características del sonido producido por sus pastillas también tienen unas cualidades particulares. Llama la atención la baja señal producida por ambas pastillas. Por este motivo es necesario abrir mucho los potenciómetros. Los reguladores de tono tienen un papel muy importante a la hora de diseñar el sonido. Una posibilidad que he utilizado particularmente con mucha satisfacción es, con ambos potenciómetros abiertos al máximo y el del puente al máximo de agudos, controlar el flujo de graves con el potenciómetro de tono del mástil. En la práctica suena con unos graves densos pero comprimidos y la sal del sonido es una estela de auténtico sitar que queda flotando al concluir el ataque de la nota; y todo esto sin ninguna unidad de efectos. El sonido procesado es realmente una delicia.

Su mejor uso es fundamentalmente apoyar un riff o seguir una línea melódica con una sola cuerda, los glisando suenan muy efectivos. Su uso puede ser muy sutil apoyando pequeños detalles de la melodía o tener un papel protagonista en un tema determinado, aunque, según mi punto de vista, es como esos efectos que producen algunos filtros de fotografía o determinados tratamientos de ordenador que, cuando se abusa de ellos, pueden resultar empalagosos. Pat Metheny hace un uso extensivo de esta guitarra en todas sus variantes, en uno de sus mejores discos ‘Secret Story’. John Scofield la utiliza en el último disco de Herbie Hancock ‘The New Standard’."

A continuación les dejo dos vídeos donde se aprecian distintos usos de este instrumento. En el primero vemos a Pat Metheny aportando su sonido característico, en el segundo Rob Mastrianni explotando la similitud sonora con el sitar.



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martes, 4 de noviembre de 2008

Harpolyre

El Harpolyre fue patentado en el año 1829 por el luthier Jean Francois Salomon.

Consta de 3 mangos. El mango central tienen 6 cuerdas y su afinación es la utilizada tradicionalmente en cualquier guitarra (Mi - La - Re - Sol - Si -Mi). Las 7 cuerdas del mango superior están afinadas cromaticamente desde el un Mib (semitono abajo de la 6ª cuerda) descendiendo hasta un La (una octava abajo del La de la 5ª cuerda). El mango inferior posee 8 cuerdas afinadas diatonicamente en al tonalidad de Do desde el Do (5ª cuerda 3º traste) hasta el Do (2ª cuerda 1º traste).

Aquí un vídeo donde podrán oír y apreciar este instrumento.



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Nuevo Colaborador !!!!

Queremos contarles que Sonido de Guitarras contará con la colaboración de Ricardo Murad, fotógrafo y Periodista argentino radicado en España quien ha realizado varias entrevistas a guitarristas como Pat Metheny y Mike Stern.

En los próximos días comenzaremos con la publicación de algunas de sus notas.

Sonido de guitarras le da la bienvenida a Ricardo y agradece su colaboración.

Para los que deseen conocer mas acerca de nuestro nuevo colaborador los invitamos a visitar su sitio web http://www.ricardomurad.com/

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lunes, 3 de noviembre de 2008

Fabricando una válvula

Encontré en la página de Hispasonic este post donde se ve el proceso de fabricación de una válvula y me pareció interesante postearlo aquí.

Si bien no vienen acompañado de ninguna explicación podrán apreciar claramente todo el proceso.

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viernes, 31 de octubre de 2008

Algo Sobre Controladores

Con la aparición y posterior crecimiento de los pedales, los guitarristas comenzaron a tener el problema del armado algo mas complejo de sus sets y con el tiempo y dependiendo de la cantidad de pedales que tuvieran de como prenderlos y apagarlos, ya que un cambio de sonido puede necesitar de pisar varios pedales a la vez.

Por otro lado el incorporar el concepto de efecto como parte importante del sonido de una guitarra llevo a los guitarristas a utilizar aparatos no diseñados específicamente para él y por ende imposibles de poner en el piso y ser pisados.
Un problema que surge al encadenar efectos y metros de cable, es que la señal se va degradando sumando ruidos, interferencias y en ocasiones perdiendo nivel
A raíz de esto es que surge la maravillosa amistad entre el guitarrista y el electrónico (ingeniero, técnico, etc.), ser casi mágico que es capaz de materializar nuestros delirios sonoros y necesidades prácticas de como manejarlos.

Pete Cornish, uno de los mas famosos gurus aparece a principios de los años 70 en Inglaterra de la mano de Brian May. Cornish armaba pedaleras a medida incluyendo dentro de ellas los efectos usados por cada guitarrista y garantizando la integridad de la señal.

Ya en los años 80 Bob Bradshaw crea un sistema mucho mas flexible para controlar efectos consistente en un conmutador de audio para rack con loops true bypass para cada efecto, así como también funciones para cambio de canal de amplificadores y controles de efecto adicionales. A esto se sumó una robusta pedalera con pulsadores de acceso directo para cada bucle de audio y/o función del sistema. Años después se agregaron presets y funciones MIDI. Es en este sistema que se basan la mayoría de los controladores modernos.

Si chequean los setups de guitarristas como The Edge, Andy Summers, Steve Vai, John Petrucci, Yngwie Malmsteen entre otros verán que todos ellos usan este tipo de controlador para manejar sus equipos

Actualmente existen varias opciones en cuanto a controladores como ser las que ofrece la gente de Vodoo Lab, Rocktron, Axxecs Electronics, skrydstrup, y algunos mas económicos como ser el Carl Martin

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domingo, 26 de octubre de 2008

Algunas afinaciones alternativas

Como muchos de ustedes ya saben existen innumerables afinaciones para la guitarra mas allá de la afinación tradicional. Mientras algunas de estas son simples transposiciones otras proponen el sonido de una acorde (abiertas) y otras responden a cambios absolutos en la estructura interválica del instrumento.

Cambiar de afinación puede ser útil para tocar canciones o estilos que han sido hechos con otras afinaciones, pero también puede ser un recurso útil para reconectarnos con nuestro instrumento en esos momentos que sentimos que todas las ideas se nos terminaron y todo lo que tocamos suena igual. Si lo piensan cambiar de afinación es una manera de abordar un instrumento nuevo.

Un único consejo sean amables con la la guitarra y presten una mínima atención a los cambios de tensión del mástil, cambio de cuerdas necesarios y si van a utilizar frecuentemente una afinación distinta lo ideal es tener una guitarra dedicada y calibrada especialmente para ello.

Les dejo aquí algunas para que se diviertan experimentando y probando.

Afinaciones basadas en la afinación standart (de 6ª a 1ª):
Barítono (una cuarta abajo): Si - Mi - La - Re - Fa# - Si
Requinto (una cuarta arriba): La - Re - Sol - Do - Mi - La
Semitono descendido: Mib - Lab - Reb - Solb - Sib - Mib
Tono descendido: Re - Sol - Do - Fa - La - Re
6ª en Re (drop D): Re - La - Re - Sol - Si - Mi
6ª y 1ª en Re (double drop D): Re - La - Re - Sol - Si - Re
Todas cuartas: Mi - La - Re - Sol - Do - Fa
Nashville Tunning: Mi(8ª↑) - La(8ª↑) - Re(8ª↑) - Sol(8ª↑) - Si - Mi

Afinaciones abiertas:
Open G: Re - Sol - Re - Sol - Si - Re
Open D: Re - La - Re - Fa#- La - Re
Open E: Mi - Si - Mi - Sol# - Si - Mi
Open C: Do - Sol - Do - Sol -Do - Mi
Open G (KR): Sol - Re - Sol - Si - Re (se retira la 6ª)

Afinaciones Modales:
Re - La - Re - Sol - La - Re
Re - La - Re - Re - La -Re
Do# - Sol# - Do# - Fa# - Sol# - Do#

Nueva Afinación Standart (New Standart Tunning) Do - Sol - Re - La - Mi - Sol

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viernes, 24 de octubre de 2008

Vox Virage

La afamada firma de amplificadores Vox, presentó este año las guitarras Virage. Si bien en un primer vistazo su diseño pueda recordarnos a la Gibson ES335, veremos luego que difiere de este en su construcción ya que no posee un bloque central solido.

La Virage es una guitarra de 1/2 caja que puede estar construida en Caoba de Honduras (habría que investigar un poco ya que hasta donde se esta madera se encontraba protegida por estar en peligro de extinción), Ash (no conozco el nombre español de esta madera) o fondo y mástil de Ash con Tapa de Caoba.

El mástil esta encolado al cuerpo y toda la unión rebajada de manera que el acceso a los trastes mas agudos resulte sumamente cómodo.

Sin duda la mayor novedad de esta guitarra es su novedoso sistema de micrófonos Three-90. Estos micrófonos fueron diseñados por Di Marzio especialmente para Vox y por el momento no se comercializan individualmente. La novedad de estos micrófonos es que nos permiten seleccionar entre 3 sonidos distintos (clean, crunch, lead) dandonos de esta forma una inmensa variedad de sonidos. Segun nos cuenta Vox estos micrófonos nos ofrece el sonido de una simple bobina, un P90 o un doble bobina de acuerda a como switcheemos entre sus 3 bobinas.

Bueno supongo que solo nos restará probarla, en la pagina de Vox Virage encontraran una grata cantidad de muestras de sonido del instrumento.

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lunes, 20 de octubre de 2008

Toco eléctrica suena acústica

Si no me equivoco fue Parker con su modelo Fly que introdujo allá por el año 1992 la novedad al menos en un modelo comercial de una guitarra eléctrica sonando como acústica. Para esto se instalo un puente diseñado especialmente con un micrófono piezoeléctrico incorporado. Este tipo de micrófonos, normalmente usado en guitarras electroacústicas toman el sonido directamente del puente del sitio donde apoya la cuerda. En algunos casos este mic va a una salida independiente pensada para tratar el sonido como una acústica enhufándolo a una caja directa o a un equipo de acústica mientras la otra salida se enchufa a los efectos o quipo de eléctrica pudiendo sonar simultaneamente como eléctrica y acústica o elegir entre una u otra opción.

Otra opción es la de usar los pedales que emulan o modelan guitarras acústicas incluidos en varias multiefectos , en este caso el sonido es de una menor calidad que el anterior, aunque puede resultar muy útil. Personalmente no lo usaría en un contexto donde busquemos un sonido principal de acústica o e en una grabación, pero resulta de utilidad en el caso de que la acústica sea un sonido mas en una banda con mas guitarras, teclados etc.

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martes, 14 de octubre de 2008

Guitarras Virtuales

La carrera de lo virtual ha llegado a la guitarra en si misma.

Line 6 presentó hace un par de años su línea Variax de guitarras que emulan o modelan guitarras. Segun dice Line 6 la Variax nos ofrece 25 guitarras de colección en un solo instrumento. Podemos encontrar modelados de Fender (3 telecaster y 1 stratocaster), Gibson (5 Les Paul, Firebird V, Es335, Es175 y Super 400), Gretsch (6120 y Silver Jet) Rickembacker (360 y 360/12) ademas de ofrecernos varias modelados de acústicas y otras rarezas como ser Dobro, Coral Sitar entre otros.

Por su parte Fender junto a Roland presentaron la Stratocaster VG que mediante el uso de un micrófono hexafónico nos ofrece una colección de sonidos de 16 guitarras distintas (Telecaster, Stratocaster, Humbuckings, Jazz, Acústicas, Resonator, banjos, etc.) con la posibilidad, además de elegir entre 16 distintas afinaciones (sin necesidad de reafinar la guitarra). Algunas de las afinaciones disponibles son 12 cuerdas, Open G, open D y Baritono entre otras.

Si bien Gibson no se ha sumado aun al modelado de sonido, si a lanzado su novedosa Robot Guitar que permite cambiar de afinación, realmente, en cuestión de segundos y con solo presionar un botón.

Como ven el concepto de la guitarra esta en movimiento. La pregunta que resta por hacerse es si estas innovaciones perdurarán en el tiempo o caerán en el olvido. Ya que en definitiva si miramos hacia atrás, las guitarras sintetizadas de los 80 (desde las series GR de Roland hasta el ¿revolucionario? SynthAxe) pasando por todas las super-guitarras y demás inventos, veremos que el diseño mas innovador de guitarra que ha perdurado con el paso de los años es la Stratocaster y data de 1954.

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jueves, 9 de octubre de 2008

Construcción de acordes

A diferencia del pianista con sus 2 manos y consabidos 10 dedos quien además dispone de 88 teclas de acceso directo a sus notas, los guitarristas contamos con tan solo 4 dedos para utilizar sobre solo 6 cuerdas en las que deberemos elegir cuidadosamente los sonidos para la construcción de los acordes o armonías.

Usualmente un guitarrista puede utilizar acordes de 4 voces como máximo (con excepción de los casos donde se puedan utilizar cuerdas al aire). Y esto nos lleva a tener que elegir las notas que utilizaremos.

A la hora de esta elección la la quinta del acorde es una nota con 'poco futuro' ya que no aporta nada realmente interesante al acorde. Por otra parte la tónica del acorde, a no ser que estemos tocando solos, tampoco presenta demasiada importancia ya que seguramente el bajista la estará tocando. En este sentido privilegiaremos la presencia de la tensiones en las notas a elegir.

Si bien las terceras son realmente importantes ya que definen si el acorde es mayor o menor, su ausencia puede generar una modalidad indefinida con cierto suspenso. Guitarristas como Andy Summer o The Edge han hecho de esto un sello de su estética y sonido. También he escuchado el caso de algunos temas de los Beatles en los que intencionalmente evitaban el uso de terceras en la melodía, de esta forma y dependiendo de su estado de ánimo tocaban los acordes mayores o menores según quisieran que sonarán alegres o melancólicos. Si bien no he comprobado la veracidad de esto, no deja de ser interesante para experimentar.

Como verán y como resumen los estoy invitando a dejar de usar las conocidas posiciones de acordes, para adentrarse nota x nota en la sonoridad de lo que esten tocando. En ese lugar pueden realmente encontrar una parte importante de su sonido.

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jueves, 2 de octubre de 2008

El primer año se acerca...

Se acerca el primer cumpleaños de Sonido de Guitarras y para festejarlo estamos organizando un evento a realizarse en un teatro de la Ciudad de Buenos Aires en el transcurso del cual se realizará una clínica centrada en la guitarra y su sonido. En el podrán ver y apreciar con sus oídos muchos de los temas aquí tratados.

Próximamente mas información.

Gracias!!!

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martes, 30 de septiembre de 2008

Django Reinhardt

Django Reinhardt, virtuoso guitarrista gitano nacido en Bélgica, fue uno de los guitarristas que dio el puntapié inicial a lo que sería la guitarra en el jazz. Poseía una particular técnica desarrolla por él dada su incapacidad de usar los dedos 4 y 5 (anular y meñique) de la mano izquierda (los mismos quedaron incapacitados luego de un incendio).
Pionero en la guitarra fusionó el jazz con la música gitana siendo uno de los principales referentes del Hot Club de París. Utilizó principalmente guitarras acústicas con cuerdas de acero de la firma Selmer Macaferri.
En el vídeo lo vemos con su famoso quinteto de cuerdas con el que toco entre los años 1934 y 1939.

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domingo, 28 de septiembre de 2008

Egberto Gismonti y la guitarra de 10 cuerdas

Egberto Gismonti es uno de los músicos más interesantes que ha dado el siglo XX. Como nadie ha sabido fusionar el mundo clásico con la música popular. En su música conviven la técnicas clásicas con música de tribus indígenas de Brasil, la música popular brasileña con el jazz , las flautas de caña con los sintetizadores.

Si bien sus estudios de guitarra comenzaron con el uso de la guitarra clásica de 6 cuerdas de nylon, su lenguaje pronto necesito un instrumento con mayores recursos cosa que lo llevo a adoptar la guitarra de 8 cuerdas en un principio para utilizar luego guitarras de 10 y 14 cuerdas. Lejos de conformarse con las clásicas afinaciones de estos instrumento ya de por si extraños (el estándar de la guitarra de 10 cuerdas seria 1ª Mi, 2ª Si, 3ª Sol, 4ª Re, 5ª La, 6ª Mi, 7ª Re, 8ª Do, 9ª Si, 10ª La) experimentó cambiando afinaciones y cuerdas llegando a dejar mezcladas notas graves y agudas en las cuerdas extras mientras mantenía la afinación tradicional en las seis primeras.

Ya que al parecer no hay información disponible respecto de sus afinaciones me puse a deducir la afinación que usa en la guitarra de 10 cuerdas del vídeo que linkeo a continuación. Las seis primeras cuerdas respetan la afinación tradicional. La 7ª es una nota La igual al La de la tercer cuerda pisado en el 2º traste, es decir una octava arriba de la 5ª al aire. La 8ª es un La afinado una octava abajo del la de la 5ª cuerda. La 10ª es un Fa una octava abajo del de la 6ª pisada en el 1º traste (supongo que originalmente habrá sido un mi). Lamentablemente no usa en ningún momento la 9ª cuerda (o al menos no se ve si lo hace) por lo que no pude ver en que nota está pero por el grosor se ve que es una nota aguda, podría ser un Fa agudo si utiliza la misma lógica de la 7ª y 8ª.

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sábado, 27 de septiembre de 2008

La virtualidad al poder: Coyote 1

Hace ya algunos años el mercado se ha visto invadido por efectos virtuales tales como guitar rig, Amplitub, Amp Farm y sus versiones hardware como ser POD's y demás. Hace algo menos de tiempo muchas de estas firmas comenzaron a sacar al mercado controladores que hicieron pensar a mas de uno en vender sus heladeras y ataudes (léase grandes rack´s, equipos y etc's) y salir a escena equipado con Notebooks y controladores (pedaleras). Luego la discusión de si los emuladores son buenos o malos, si la diferencia de sonido, si etc. etc. etc.

Creo que lo más interesante a tener en cuenta es que una nueva herramienta tecnológica estaba a nuestro alcance y esperar la persona que mirara hacia adelante y la utilizará de una manera realmente novedosa.

Al parecer el Coyote-1 es la respuesta a este deseo. Se trata de un procesador de efectos de audio construido a partir de software libre en el clásico formato de pedal de guitarra. Quienes lo posean podrán desarrollar sus propios efectos software de audio a medida —distorsión, eco, chorus, etc.—, mezclar efectos construyendo programas complejos, e intercambiarlo todo con la comunidad OpenStomp.

El pedal contiene un complejo sistema de procesadores (8 funcionando simultaneamente), entradas y salidas de audio, conexión USB, un puerto de expansión RJ11 para potenciales expansiones (pedales externos), conexión para auriculares, 4 knobs y 2 footswichs programables.

Los programas de efectos de fabrica incluyen Tremolo, Chorus, Distortion, Delay, Tunstuff (Layered repeat loop), Test Tone con sus respectivos códigos fuente.

No he podido encontrar ni en la pagina de OpenStomp (su fabricante) ni en youtube material sonoro para escuchar este nuevo concepto de pedal, aunque por sus características probablemente lo ideal seria tener uno en nuestras manos para poder jugar con el.

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viernes, 26 de septiembre de 2008

¿ 6 o 12 o 42 cuerdas ?

El insaciable Pat Metheny encargó en el año 1984 a la luthier canadiense Linda Manzer la construcción de una guitarra que tuviera la mayor cantidad de cuerdas posibles.

El resultado fue la Pikasso I, guitarra con 42 cuerdas, 4 diapasones, 2 hoyos de sonido. La guitarra fue equipado con un complejo sistema de piezoeléctricos diseñado especialmente por Mark Herberto. El mástil de 6 cuerdas incluye un microfono hexafonico que permitía a Metheny utilizarlo junto a su Synclavier (en realidad permitiría la conexión a cualquier sistema MIDI).

Solo nos resta oírla.

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jueves, 25 de septiembre de 2008

¿Me gusta mi equipo?

Muchas veces elegimos un equipo por su aspecto o por que lo hemos visto usado por nuestro guitarrista favorito y no llegamos a plantearnos realmente si el mismo es el indicado o el mas rendidor para nuestro sonido.

Muchas veces es difícil probar a fondo un equipo, de hecho la única forma de hacerlo es conociéndolo, teniéndolo en nuestra sala y hasta probándolo en vivo. Lo aconsejable es comprar y vender para ir conociendo realmente como responde cada equipo a nuestra forma de tocar, a nuestro sonido.

La tarea puede llevarnos años y requerir de varios cambios de equipo y hasta customizaciones personales.

No se queden con lo que dicen las publicidades ni con lo que a simple vista se ve. Muchas veces los equipos de nuestros ídolos están tuneados para ellos, con cambios de parlantes y/o componentes o de calibrado interno del equipo.

Investiguen y conecten con técnicos especializados que pueden hacer esos cambios y mejoras necesarios para nuestro sonido. En este sentido lo mejor es buscar un equipo (o combinación de equipos) que se acerque lo mas posible al sonido que busquemos. Luego de eso el ajuste manual de un especializado será el toque final, la famosa cereza del postre.

Recuerdo haber peleado años testarudamente con un Marshall JCM900 2100, equipo visto en cientos de escenarios durante la década del 90, trabajando por conseguir un sonido digno sin cuestionar nunca la calidad del equipo. Un día charlando con un guitarrista amigo, Palmo Addario, me dice: ' tu sonido está bárbaro, el único problema es tu equipo que es una bosta, ¿pensaste en venderlo?'.

Ciertamente tenía razón.

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sábado, 20 de septiembre de 2008

Parlantes

Es común que los guitarristas nos preocupemos por nuestra guitarra, cuerdas, púas, equipo, efectos, y hasta cables que usamos y muchas veces olvidemos preocuparnos por los parlantes que no deja de ser una parte fundamental de nuestro sonido.
Si prueban el mismo equipo por distintos parlantes verán que el sonido obtenido varía.

Las diferencias son en cuanto a tipo de caja (abierta o cerrada), cantidad de parlantes, potencia de cada parlante, relación entre la potencia del equipo y la potencia total del bafle, tipo de imán.

En cuanto caja abierta o cerrada, la caja cerrada tiene una mayor proyección y direccionalidad del sonido y una mayor respuesta de graves.

La relación potencia del equipo - potencia total de los parlantes influye tanto en la respuesta timbrica como en la vida útil de los parlantes. Los parlantes exigidos suenan distinto cuando tienen resto. En este sentido un cabezal de 100 watts suena, en mi opinion, mejor con un bafle de 100watts o 120watts que con uno de 300watts. Es cierto que la vida útil de los mismos sera probablemente menor. En este punto debemos decidir si prima nuestro gusto o nuestro bolsillo.

Respecto de la cantidad de parlantes creo que es un cuestión de gustos, cuando mas parlantes escupan mayor sera la cantidad de aire que muevan y la sensación física y sonora que tendremos será otra.

La potencia del parlante también afecta sus características tímbricas. Los parlantes de mayor potencia, deben ser mas resistentes para soportar las vibraciones, por este motivo los materiales del cono son mas gruesos y el pegamento usado mas fuerte y pesado. Todo esto afecta la reproducción de ciertas frecuencias. Este es uno de los motivos por el cual muchos guitarristas prefieren usar parlantes de 25 o 30 watts. Los viejos Vox AC30 vienen equipados con 2 parlantes de 15 watts.

El último tema es el material del imán pudiendo ser este Cerámico o de Alnico. en este punto creo yo no hay discusión. El sonido del Alnico es incomparable. Su única contra es el precio. Cuesta tres veces el valor de un parlante de imán cerámico. Es por este motivo que lo encontraremos en equipos Custom de Alta Gama o tendremos que ponérselos nosotros mismos.

Nota: Recuerden que la impedancia total de la caja debe ser la misma que la que requiera el amplificador. Nunca por ningún motivo debe ser menor ya que esto podría dañar seriamente al equipo.

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domingo, 7 de septiembre de 2008

John Petrucci

John Petrucci, virtuoso guitarrista integrante de Dream Theater y realmente generoso a la hora de mostrarnos los secretos de su técnica y sonido. En el año 1995 publica Rock Discipline una excelente clase de 2 horas de duración que he encontrado publicada en internet.



Les dejo el detalle completo de su equipamiento usado en vivo durante sus giras de 2007, en la página de messa Boogie encontraran un vídeo donde nos cuenta en detalle como usa su sistema.

Messa Boogie Mark IV (2) (clean, Crunch and Lead)
Messa Boogie Lone Star (1) (clean)
Messa Boogie Rectifier Cabinets con Celestion Vintage 30
Cry Baby Rack Wah
MXR Van Halen (Flanger)
MXR Zakk Wylde Over Drive
Ibanez Tube Screamer
Boss Distorsion DS1
DBX 266XL Compressor / gate solo clean
TC Electronics M3000 Studio Reverb Procesor
TC Electronics 2290 Dynamic Digital Delay
Eventide DSP7000 Ultra Harmonizer

Para controlar este arsenal de efectos Petrucci utiliza los controladores:
Axess Electronics FX1 MIDI Footcontroller
Axess Electronics FX1 Expander (EXP)

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sábado, 30 de agosto de 2008

Brian May

Brian May es uno de los guitarristas mas personales que ha dado el rock ingles. Ha sido precursor en el uso técnicas que se han dado a conocer popularmente hasta una década después como es el caso del tapping y el famoso 'chiflido' (conseguir armónicos con el uso combinado de púa y pulgar).

Poseedor de un envidiable e inconfundible sonido de guitarra su set siempre ha sido en cierto sentido bastante básico. Su famosa Red Special construida por su padre tiene la particularidad de poseer controles de encendido y apagado para cada uno de sus 3 micrófonos, con el agregado de un control que permite invertir la fase de cada micrófono. Esto da varios controles que normalmente no se tiene en otras guitarras, el mas simple y obvio es la posibilidad de utilizar los tres micrófonos en forma simultanea o el mic del puente mas el del mástil (similar a las posiciones de una Les Paul pero imposible de conseguir en una guitarra de 3 mics como una stratocaster). Mediante los switchs inversores de fase May puede conectar sus micrófonos en paralelo o en serie (en una forma estaria sumando 2 micrófonos y en el otro construyendo uno de doble o hasta triple bobina). Sus posibilidades sonoras son realmente extensas (aquí un excelente articulo del circuito de la Red Special mas un varias modificaciones posibles).

En cuanto al resto de su equipamiento, si bien se ha modernizado en los años 80 (no se que esta utilizando actualmente) el corazón de su sonido ha sido el uso de múltiples Vox AC30 (usualmente usa 9 o 12 en vivo), un treble booster, un wah wah, y un delay (Echoplex en la década del 70). Cabe destacar que siempre ha trabajado en conjunto con ese genio y guru del sonido guitarristico que es Pete Cornish.

Una característica de May ha sido la construcción de sus solos que pueden considerarse pequeñas obra dentro de la canción. En el año 1984 se May filmó una masterclass donde nos explica bastante acerca de su sonido y nos enseña a ejecutar varios pasajes de sus solos memorables. Aquí los links:

parte1, parte2, parte3, parte4

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jueves, 28 de agosto de 2008

Zakk Wylde

Zakk Wylde se hizo mundialmente famoso al ingresar como guitarrista a la banda de Ozzy Osbourne en 1987. Desde el año 1999 alterna sus actividades entre la banda de Ozzy y Black Label Society su propia banda banda.

Wylde ha desarrollado al máximo la técnica de generar armónicos con la mano derecha (mediante el uso combinado de pulgar y púa) y hace un uso casi extraterrestre de la técnica Chicken Picking caracteristica de la música country.

En cuanto a su equipamiento tiene una larga lista de customizaciones y endorsement. Sus guitarras principales son Gibson Les Paul con Pastillas EMG 81 y 85. Utiliza cabezales Marshall JCM800 siendo extremadamente pulcro en el mantenimiento y calibrado de sus válvulas siendo éstas de la firma Groove Tubes. En sus cajas (Marshall 1960) utiliza parlantes Celestion Greenback de 25W.

Respecto de sus efectos utiliza sus signature model, MXR Wylde Overdrive y Dunlop Zakk Wylde Signature Wah ademas de MXR M-134 Stereo Chorus y Dunlop JD-4S Rotovibe Expression Pedal.

Les dejo un link a una clínica de algo mas de 50 minutos que encontré en el blog desafinados.es

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lunes, 25 de agosto de 2008

Todos por Charly

El próximo martes, 26 de agosto, a las 9 PM hora argentina, en miles de hogares, comercios, restaurantes, autos, bares, oficinas, estaciones de radio y demás lugares donde haya a mano un reproductor, sonará la música de un mismo hombre: Charly García.

El motivo es la convocatoria 'Todos por Charly', lanzada desde Buenos Aires por un grupo de seguidores del gran rocker argentino, que invita a poner a todo volumen canciones suyas para acompañar al artista en el difícil trance de salud que atraviesa.

García, sin dudas uno de los mayores íconos del rock del sur del mundo, permanece internado en una clínica neuropsiquiátrica porteña hace varias semanas. Antes de ser trasladado allí, estuvo también hospitalizado en grave estado debido a una afección pulmonar que complicó su estado general.

La invitación para unirse a 'Todos por Charly' comenzó a circular esta semana a través de un e-mail, que rápidamente captó la atención de fanáticos, periodistas, gente vinculada con la industria del entretenimiento y todos los que esperan la pronta recuperación del artista, un personaje tan polémico como entrañable. "Todos tenemos algo de él en nuestras almas; por nuestras vidas circula su música, con pasión, delirio, potencia, amor, compromiso o melancolía...El 26 de agosto, abracemos a Charly con su música", dice el texto del e-mail.

Una de las idearias del inusual pedido fue Chela Rllepca, una productora de espectáculos que trabajó varias veces cerca de García. "Nos juntábamos entre amigos y siempre brindábamos por Charly, pensábamos en él, en lo mucho que deseamos que se recupere", cuenta. "Hasta que, un día, pensé que lo mejor era poner todo esto en positivo, y hacer que más gente pueda hacerle llegar sus pensamientos, que sin duda le van a hacer muy bien".

Rllepca está ahora asombrada por la masiva respuesta de la convocatoria. "Fue una necesidad mía y de un grupo de gente cercano, de edades y profesiones diferentes, gente que ama a Charly y su música. Me emociona pensar que el martes, muchos estaremos escuchándolo". Algunos canales de televisión, varios sitios de internet, programas de radio y el inefable 'boca a boca están por estas horas haciendo el resto de las tareas de difusión, agitando el eco de la propuesta.


En la calle, la noticia también se sabe. Hernán Papa, un ingeniero de 39 años, es uno de los tantos fans acérrimos que esa noche pondrán a sonar algún disco de su ídolo. "Es muy doloroso que un tipo enormemente creativo como Charly esté así", comenta. "Esta convocatoria está buena; me gustaría que él se enterase desde la clínica que hay un montón de gente haciendo esto, dándole este apoyo, mimándolo de esta manera".

Mientras tanto, muchos ya comienzan a pensar qué canciones –de la prolíficamente bella obra de García- escucharán el próximo martes. "¿Qué tema pondría...?", duda Papa. "Quizás "Eiti leda", "Inconsciente colectivo", o "Cerca de la revolución"... Charly ha hecho grandes obras maestras, nos ha dado mucho. Es tiempo de darle algo de vuelta a él también".

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sábado, 23 de agosto de 2008

Michael Hedges

Genial guitarrista acústico y compositor. Michael Hedges ha basado su obra en piezas ejecutadas con extraordinaria fluidez usando normalmente afinaciones no convenciales, muchas de su propia invención, y técnicas como el tapping y el uso de armónicos.

Por citar tan solo 2 ejemplos de estas afinaciones tenemos la que usa en el tema The Naked Stalk de su álbum Taproot: de sexta a primera Re, La, Re, Mi, La, Si, y aun mucho mas extraña la usada en su tema Nomad Land: Do, Sol, Re, Sol, Sol, Sol (las tres primeras cuerdas en unisono).

Otros ejemplos serian Sib, Fa, Do, Mib, Fa, Sib - Sib, Fa, Do, Mib, Mib, Sib - Re, La, Re, Sol, Do, Do.

En el vídeo podemos verlo ejecutar en Harp-Guitar una pieza de su autoría (Because It's There).



No voy a pegarlo aquí debido a su extensión pero en youtube pueden encontrar un seminario de una hora impartido por el propio Hedges donde explica sus afinaciones y métodos, les dejo los links:
parte1, parte2, parte3, parte4, parte5, parte6

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Guitarra percutida

He encontrado en Youtube este vídeo que me ha parecido de lo mas original en cuanto a la manera de utilizar la guitarra.
Se trata Erik Mongraib, guitarrista que ha adoptado y desarrollado la técnica de lap tapping.

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jueves, 21 de agosto de 2008

Jimi Hendrix


La guitarra eléctrica es antes y después de Hendrix. De esto no hay duda ni discusión. Por este motivo es que considero que mas allá de gustos, todo guitarrista eléctrico debería escucharlo con atención. El fue quién dio a la guitarra el sonido que hoy conocemos.

Para aquellos que no hayan tenido oportunidad de oírlo en detalle o que hayan escuchado material de extraña calidad les recomiendo remitirse a los 5 albums de estudio autorizados por Jimi. Estos son: Are You Experienced, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland, Band of Gypsys y First Rays of the New Rising Sun.

Jimi Hendrix es normalmente asociado a la Fender Stratocaster y es cierto que esta ha sido durante sus años famosos su instrumento favorito. Se sabe que ha utilizado al menos 8 de estas (2 fueron robadas). Las guitarras de Jimi frecuentemente debian ser desarmadas integramente para luego ser reconstruidas por el uso extremo que les daba.

Si bien era zurdo prefería utilizar instrumentos de diestro por considerarlos de mayor calidad. A los mismos los encordaba al revés para utilizarlo como zurdo. El tremolo de sus strato tenían colocados los 5 resortes. Si bien en un principio utilizaba la afinación estandar (de 6ª a 1ª E, A, D, G, B, E) 6 de los 11 tracks de su primer trabajo (Are You Experienced) están grabados con la guitarra afinada un semitono por debajo. y Ya en Electric Ladyland encontramos 2 pistas con la guitarra afinada 1 tono por debajo, mientras que el resto de los tracks se encuentran medio todo abajo.

Hendrix es uno de los guitarristas que comienza a experimentar la combinación de micrófonos (las primeras stratos traían selector de 3 posiciones permitiendo elegir uno u otro micrófono pero no combinaciones de a dos) dejando el selector a mitad de camino.

A menudo al tocar piezas mas cercanas al blues, Jimi prefería instrumentos Gibson. Utilizó Gibson Flying V, Gibson SG y Gibson Les Paul.

En lo de referente a amplificación Hendrix utilizaba en vivo 3 cabezales y 6 cajas Marshall con todos los controles al máximo. Con este set que sería practicamente inmanejable para cualquiera generaba su increíble pared de sonido. En ocasiones experimentó combinandolos con equipos Sound City supuestamente influenciado por Pete Townshend aunque esto solo fue durante unos pocos meses. También se sabe que ha utilizado, especialmente en el estudio, equipos Fender Showman y algún Twin Reverb.

Sus efectos incluyeron Wah Wah Vox, Dallas Arbiter Fuzz Face, Octavia (efecto creado por Roger Mayer especialmente para él), y Uni-Vibe de Uni-vox. En el estudio ha utilizado también Leslie.

Otra creación de Hendrix fue la de utilizar el feedback (acople) como un recurso expresivo.

Según cuenta Royer Mayer Hendrix siempre buscaba sonidos nuevos, el decía Ese Sonido fue genial en ese tema, pero ¿que tienes para mañana? no hay motivos para volver a utilizarlo.

Como imaginarán es muy difícil abarcar a un artista como Hendrix en un post, así que hasta aquí llego. Ya habrá más en próximas ocasiones.

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martes, 19 de agosto de 2008

Clapton: guitarras y equipos

Si bien en sus comienzos Eric Clapton utilizo tanto guitarras Fender como Gibson fue alrededor del año 1970 cuando comenzó su romance con la Fender Stratocaster que ha perdurado por ya casi 40 años.
Clapton comenzó en los Yarbirds usando una guitarra Fender Telecaster y un Vox AC30, aunque también utilizaba una Fender Jazzmaster y una Gibson 335.

Ya por la época de los Bluesbreakers se había volcado casi exclusivamente a utilizar Guitarras Gibson (Les Paul Standard 59) por la comodidad de su mango y había cambiado su Vox por 2 Marshalls 1962 con 2 parlantes de 12" (equipo luego conocido como Bluesbreaker). Estos equipos entregaban 45 watts.

Clapton utiliza exclusivamente su Gibson Les Paul en los comienzos de Cream aunque luego lo veremos utilizar también su psicodelica Gibson SG Standard (64), Gibson ES 335, Gibson Firebird. La potencia de su amplificación crece y lo vemos utilizando 2 Marshall 1959 de 100 Watts con cajas de 4 x 12". Ademas su set crece con el agregado de un wah wah Vox y una unidad de fuzz.

En la época Blind Faith lo vemos utilizando su Gibson Firebird por una ampli Fender Showman y con Derek & de the Dominoes llega a la Fender Stratocaster (de las que ya no se separaria) usando AMplicadores Fender Champ. Con los componentes de 3 de estas guitarras es que Eric arma su querida 'Blackie' guitarra que lo acompaño hasta fines de los 80.

En 1988 Clapton es el primer guitarrista en ser galardonado con una Fender Signature Model. El mango de esta guitarra es una copia del mástil con forma de V de una Martín acústica de 1930, una de las preferidas de Eric. El guitarrista había pedido también a Fender que los microfonos tuvieran un sonido comprimido y libre de ruidos. El resultado de esto fue la inclusión de los micrófonos Lace Sensor, además de un booster de medios que controla mediante uno de sus controles de tono. Por último el modelo incluye un trémolo tipo vintage. Si bien Clapton no utilizaba tremolo, prefería el sonido de este tipo de puentes antes que el brindado por el puente fijo.

Clapton comenzó a utilizar éstas guitarras desde entonces. También utiliza guitarras acústicas Martin y ocasionalmente podemos verlo utilizar una Gibson 335 para las partes de Slide. Sobre sus preferencias a comentado que gusta de utilizar los trémolos vintage aunque no utiliza el tremolo y le coloca los 5 resortes para que estos queden con su máxima tensión. gusta de los mangos con forma de V y le gustan los trastes intermedios, mas anchos que los de una strato anchos aunque no tanto como los de una Les Paul. Sus cuerdas son Ernie Ball .009 aunque también pueden ser .010. Prefiere cambiar las cuerdas uúnicamente cuando estas se rompen aunque ocasionalmente puede cambiar las 3 primeras.

fuentes: Fender Players Club, Wikipedia, La Historia de las Guitarras Fender (Tony Bacon)

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domingo, 17 de agosto de 2008

Joe Satriani: Lecciones privadas

Todos aquellos interesados en entender el mundo guitarrístico de Joe Satriani podrán tomar lecciones impartidas por el propio Joe.

Si visitan Satch Zone , suscripción mediante, podrán recibir 2 lecciones semanales dictadas por el mismisimo Satriani.

En el vídeo que linkeo pueden ver en detalle los pedales que componen la pedalera del guitarrista, donde nos cuenta que prefiere usar únicamente pedales para poder tener todo al alcance de su vista y de su pie.

Los pedales que utiliza según vemos en el vídeo son: Digitech Whammy, Boss Digital Delay (no llego a ver pero probablemente se trate del DD3) x 2, Boss Chorus (al parecer un viejo CE2), Fulltone Ultimate Octave, Jimi Hendrix Octavio, Boss Compresor Sustainer CS3, Vox Sacthturator prototype x 2, Electro Harmonix Micro Pog, Electro Harmonix Pog. Se observan por último 2 Vodoo Lab Pedal Power para alimentar a los pedales.




Les dejo por último el link a una interesante entrevista brindada por Joe a la Modern Guitars Magazine con motivo de la edición de su decimosegundo álbum de estudio Super Colossal. (ver entrevista)

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sábado, 16 de agosto de 2008

Jellifish

Podríamos considerar a este pequeño invento dentro del terreno de las púas, ya que de hecho se usa con la mano derecha en reemplazo de ésta y con similar técnico.

Lamentablemente aun no se comercializa en Argentina y no he podido probarlo así que solo puedo comentar de su existencia y repetir lo que sus fabricantes dicen de él.

Al parecer habría tres formas distintas de usarlo. Una de ellas generaría un sonido similar a una guitarra de 12 cuerdas o con chorus, otro a un arco tocando notas cortas y la tercera un sonido similar al obtenido usando la técnica de percutir la nota sobre el diapasón (Hammer On).

Les dejo los tres vídeos demostrativos para que puedan oírlo.






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martes, 12 de agosto de 2008

Metallica: Kirk Hammet

En el siguiente vídeo podemos ver a Kirk Hammett, guitarrista de Metallica por si alguien no lo sabe, mostrándonos en detalle como tocar los riff de los temas del álbum 'Master of Puppets', considerado por muchos como una de las obras maestras del trash metal.

En el vídeo se lo ve utilizando 2 guitarras ambas flying V negras, siendo la segunda una ESP ( firma de la que es endorser ) y la primera aunque no se ve la marca parece su vieja Gibson.

Ambas guitarras están equipadas con mics EMG 81 activos, que son parte del sonido característico de este guitarrista.

Se observa un cabezal Marshall presumiblemente JCM800, el otro cabezal que se ve podría tratarse de un Mesa Boogie MK Series modificado el cual usa únicamente como pre.

En el rack observamos 2 Mesa Boggie Triaxis Pre amps y al parecer 2 cabezales Mesa Boggie Dual Rectifier, aunque es difícil verlo bien debido a la calidad del vídeo.



Si quieren mayor información acerca del equipamiento usado por este guitarrista a traves de los diferentes albumes, pueden consultar la Encyclopedia Metallica

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sábado, 9 de agosto de 2008

Sonido de Guitarras se renueva

Como podrán observar estoy renovando el blog y reorganizando la información.
He agregado la barra de la izquierda y renovado el cabezal del blog. En breve añadiré una barra de menú.
También estoy intentando resumir las etiquetas para que sean lo mas claras y específicas posibles.
Se aceptan todo tipo de recomendaciones y sugerencias.
Muchas gracias.

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domingo, 3 de agosto de 2008

Entrevista a Carlos Santana

Hojeando viejas musiqueros encontré esta entrevista a Carlos Santana, fue publicada en la revista en su edición del mes de septiembre de 1988. La misma fue realizada por J. Obretch y la traducción y adaptación al castellano es de Claudio Kleiman.
Aquí transcribo algunos párrafos:

¿Que consejos les darías a los jóvenes virtuosos técnicos para conseguir mas emoción en su forma de tocar?
...Nada golpea más rápido al oyente en lo profundo de su corazón que la sinceridad. Yo elijo la sinceridad antes que la sensibilidad. Ya sea que toques rápido o lento, si sos sincero, la gente se va a prender. Si simplemente estas recorriendo los cambios de acordes, las escalas y todo ese tipo de cosas, es como Sugar Ray (Leonard, campeón de boxeo). El te puede alcanzar con 50 trompadas realmente rápido, pero si (el cantante) Marvin Gaye te pega una vez, vas a caer.Lo mismo cuando algunos músicos muy rápidos zapan con, digamos, Otish Rush. Esos flacos pueden recorrer todo el largo del diapasón tocando todas las notas a una velocidad enceguecedora. Pero si Otis Ruxh pone su dedo en la guitarra y te alcanza con una nota se acabo todo, nadie tiene siquiera una chance.

¿Cuanto de tu tono está en las manos?
Yo diría que alrededor del 25%. El otro 75% viene de mis piernas, de mis tripas. Después de tocar un solo me duelen la garganta y los muslos. Eso es Proyectar, no es volumen. La gente no sabe que hay una diferencia entre tocar alto y aprender cómo proyectar. Muchos músicos tocan desde sus dedos para afuera, y así no van a alcanzarte. Pero cuando una persona te alcanza desde sus pantorrillas -miren a Jimi Hendrix- y aquí (se palpa muslos, pelvis y estomago), y lo pone en una nota, tus pelos se paran, tu espina hormiguea. Si vos pones todo tu ser en esa nota (tu vitalidad, tu cuerpo, tu mente, tu corazón, y tu alma), la gente va a reaccionar a ella.

¿Qué es lo que comúnmente se interpone en el camino a esa conexión total?
Tu mente. La falta de autoconfianza, la inseguridad. Decepción, ego. Esas cosas que bloquean la pura creatividad. El ego para mi es como un caballo o un perro. Hacélo trabajar para vos. No trabajes para él.

¿Tu espíritu está presente en tu música es algunos momentos más que en otros?
Si. Allí es cuando siento como que tomé una ducha interior... La meditación te ayuda a dejar ir todas las cosas. Es como vaciar tus bolsillos. Una vez que te sentís perdonado por todas las cosas que hacemos como monos, la imaginación regresa. Einstein dijo que la imaginación es infinitamente más importante que el conocimiento. Cuando estas limpio, no estás bloqueando el fluir de la creatividad y el espíritu. Algunas veces olvidamos que todo esta manejado por la gracia - El golden Gate, los aviones, la nota sosteniendose-. Cuando la gente consigue el sustain con pedales no está usando la gracia de Dios. Esta usando la electrónica de una compañía. Tiene sus partes buenas, pe la parte mala es que va a sonar como algún otro. El tono, primero de todo, es tu cara. ¿Por qué va a querer lucir como algún otro?. Tu tono es como te conoce la gente; si tocas una nota, saben quien sos. La cosa más importante sobre la que la gente tiene que trabajar es conseguir su propio tono individual.

¿Cómo haces para que una nota se sostenga?
Primero de todo, encontrás un lugar entre vos y el amplificador donde ambos sienten ese cordón umbilical. Cuando alcanzás la nota, inmediatamente sentís un laser entre vos y los parlantes. Es como manejar un auto de alta performance. Si no sabes lo que estas haciendo te vas a salir de la ruta, así que tenés que estar preparado para eso. Tenes que practicar con esa intensidad de performance. Aun con todo el conocimiento que tiene, el sonido de alguna gente es chillón, lo que bloquea mucho de lo bueno que está haciendo. Pero si vos sacas buena parte de los agudos y ponés bastante más graves, todavía vas a tener sustain, pero sin ese sonido taladrante que mata perros.

¿Siempre sabes en qué tono estas o sobre que acordes estás tocando?
No. Muchas veces me fuerzo a mi mismo a guiarme por lo que siento antes de aterrizar en la tónica. Si vos encarás todo desde la tónica no hay misterio pata lo que vas a tocar, porque intuitivamente vas a caer en lo mismo.

¿Eso significa empezar un solo desde un lugar diferente del diapasón?
Algunas veces. La mayor parte de las veces es una cuestión de desde dónde vas a alcanzar esa nota: el estómago, el corazón, las piernas. ¿Dónde te vas a tensar? ¿Qúe músculo vas a usar? Lo principal es aproximarse a las cosas de manera nueva. Si tenes una pileta de natación no te zambullas siempre de la misma forma. Sorprendéte a vos mismo.

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