Círculo de Guitarras de Buenos Aires

Quienes estén en Buenos Aires y nunca hayan escuchado tocar a un Círculo de Guitarras tiene una excelente oportunidad de hacerlo este jueves 27 de agosto en Templum, Ayacucho 318 a las 21:30 hs.

El Círculo comenzó sus actividades en 1994 como Ensamble de Guitarras en Buenos Aires, a partir de los primeros cursos de Guitar Craft en Argentina, utilizando la Nueva Afinación Estándar(NST), adoptada inicialmente por Robert Fripp y posteriormente por destacadas agrupaciones como The League of Crafty Guitarists, California Guitar Trio, Los Gauchos Alemanes, Big Time y Zum entre otros.

Desde entonces el CGBA, ha pasado por diversas formaciones, siempre trabajando de forma acústica o amplificada. Han desarrollado un variado repertorio de temas originales, así como arreglos de autores de distintos géneros que van desde los Beatles a Piazzolla, incluyendo piezas de The League of Crafty Guitarists.

Además de las actuaciones que realizó en Buenos Aires por ejemplo: El Living, Templum, La Fábrica, Auditorio Agronomía, El Globo, colegios, teatros, geriátricos e iglesias, el CGBA participó en diversos workshops y ciclos de trabajos especiales relacionados con la música, realizando proyectos y performances junto a músicos de renombre internacional tanto en Argentina, España, Alemania e Italia.

Algunos de sus integrantes actuales son miembros de The League of Crafty Guitarists, agrupación que estuvo de gira el año pasado junto a Robert Fripp en el ND Ateneo y otros lugares de Argentina.

Conciertos: VIII Prueba de Sonido

Este es en definitiva el momento decisivo de como sonará el show. Es importante que la prueba sea ordenada y organizada. En primer término, si se cuenta con ecualizadores para realizar correcciones acústicas dejaremos al sonidista trabajar solo y tranquilo (esto sucederá solo en sonidos grandes), luego se probará por separado cada instrumento (en el caso de gente que toque mas de uno se asegurará de probar todos los que use aunque solo sean distintos tipo de guitarra), mientras duren las pruebas individuales nadie mas debe estar haciendo ruido y es deseable que tampoco haya gente sobre el escenario dando vueltas ni desconcentrando al músico que prueba sus cosas. En este momento chequearemos nuestro sonido principal sin detenernos en ningún sonido puntual que solo suceda en un momento determinado. Cuando todo este seteo este listo comenzaremos con la prueba general de la banda. Primero probaremos un tema que sea digamos de lo mas característico de nuestro sonido y luego los extremos (el tema mas pesado y ruidoso y el tema mas suave que tengamos) si algún músico necesito alguna prueba extra para probar algún detalle sonoro o efecto será entonces el momento de hacerlo. Si se trata de varias formaciones (por ejemplo dentro del mismo show suceden momentos acústicos con un dúo, un trío, un cuarteto y otros momentos con banda) nos aseguraremos de hacer todas las pruebas necesarias. De esta forma no habrá sorpresas durante el show.

ver también Conciertos: IX Instrumentos acústicos

Escala Pentatónica

Las escalas pentatónicas son llamadas así por estar construidas a partir de cinco sonidos. Aparecen en la música folclórica de numerosas culturas y datan de una gran antigüedad.

La escala pentatónica mayor, está construida a partir de los sonidos 1,2,3,5, y 6 de la escala mayor diatónica que es la base del sistema tonal clásico europeo.

Esto seria en la tonalidad de Do Mayor: Do - Re - Mi - Sol - La.

Junto con su quinto modo: La menor: (La - Do - Re - Mi - Sol) constituye las escalas mas popularmente usadas para improvisar dentro del blues y el rock.

Lo notablemente curioso es la presencia de estas escalas en la música de la India, música japonesa, y hasta las músicas andinas que descienden de los Mayas.

Como veremos en el próximo vídeo en el marco del World Science Festival, en una conferencia, con el título "Notas y neuronas: en busca del coro común" que intentaba descifrar si nuestra respuesta a la música viene "de fábrica", o si está culturalmente determinada, y si la reacción al ritmo y la melodía es universal o influenciada por el medio ambiente, Bobby McFerrin llevó a cabo el siguiente experimento basado en la escala pentatónica y que demuestra la universalidad de la misma.



Aunque personalmente no se me ocurre a que conclusión podríamos llegar no dejarán de notar lo sorprendente del experimento en el cual la audiencia por si sola conoce y puede cantar la escala.

Paul McCartney: parte 2

Para los que no vieron el comienzo de este post buscar Paul McCartney (parte 1).

Lo que aquí se ve es básicamente a Sir Paul McCartney grabando una canción íntegramente. Los menos avanzados se centrarán posiblemente en ver las partes individuales de guitarras, bajo y batería. Los mas avanzados podrán apreciar la forma de encarar una grabación primero el boceto de referencia (acústica y voz en este caso) que bien puede llegar o no a toma final. La base luego. Batería y bajo. Las guitarras y demás arreglos luego. Si bien el vídeo no llega al proceso final por último se grabarán coros y voz leads. Luego de esto sigue el proceso de edición, mezcla y por último mastering.

También podemos apreciar como graba la intro del tema al final, ya que con la magia de la era digital y el cut & paste ya no es necesario grabar secuencialmente la canción de principio a fin.

Los mas avanzados aun, podrán apreciar aun mas al ver la sencillez en los arreglos y la producción detallista que logran con una increíble economía de recursos un tema contundente y elaborado a partir de elementos por demás simples.

Parte 3/4


Parte 4/4


perdon por los pequeños desfasajes audio - imagen que se aprecian en algunos tramos.

Conciertos: VII Necesito mas volumen!!!!!!!!

Los guitarristas y nuestro volumen solemos ser un tema de discusión sobre el escenario (y en realidad en casi cualquier lugar que estemos). Muchas veces sucede que ambas partes tienen razón (estas son el guitarrista que insiste en que no se oye y el resto de la gente presente en el lugar que reza por no quedar sorda).

Aquí hay varios puntos a tener en cuenta 1) los equipos valvulares rinden al usarlos a su máxima potencia o al menos lo mas cerca posible a ella, con esto quiero decir que al subir el volumen no es solo el volumen lo que sube sino que la presencia del sonido y hasta el timbre es otro. Los guitarristas necesitamos de esa garra que el equipo entrega a ese volumen. En este sentido el consejo para quienes compren un equipo valvular de 100watts es que tengan presente donde lo van a usar ya que rinde mas un equipo valvular de 30wats o 50 wats que podamos usar al mango que uno de 100watts con el volumen en 4 ( una lágrima!) lo ideal seria tener uno para cada ocasión pero bueno esto es algo económicamente difícil.

Otro tema es el bafle cerrado. Esas hermosas cajas Marshall de 4 parlantes cada una que usaba Hendrix de a 8 fueron diseñadas en épocas donde los P.A. aun no existían y el equipo debía llegar a oídos de toda la audiencia (que era mucha y en espacios abiertos) con esto quiero decir que son parlantes que escupen el sonido lejos. Si uno se para al lado de un bafle Marshall es una realidad que no se escucha mientras el resto de la gente presente (que esta a unos metros y no al lado) literalmente nos considere un carnicero sordo que pretende volarle los tímpanos). Aquí solo les resta experimentar, en mi caso me he fabricado una caja abierta de 2 parlantes con la que me escucho cómodamente sin que nadie me odie aunque es cierto estas cajas suelen tener una menor respuesta de graves como dije arriba experimentar es la solución. Punto importante: Asegurarse que en el escenario la caja me apunte a mi. Punto mas importante aun: asegurarse que la caja por ningún motivo y sin excepción apunte al cantante.

ver también: Conciertos: VIII Prueba de Sonido

Conciertos: VI Posición del micrófono en equipos:

Les recomiendo experimentar ustedes mismos donde colocar el micrófono para tomar el sonido del parlante de su equipo. Es bastante común que el sonido lo ponga de una forma que si bien no es incorrecta no es la que a mi mas me gusta. Los parlantes entregan un sonido brillante y filoso en el centro del como haciendo el sonido mas grave y con cuerpo a medida que nos alejamos hacia el borde. El centro entre estos dos puntos suele ser un buen lugar donde el sonido tiene suficiente cuerpo y algo de brillo. En lo personal me gusta ubicar el micrófono en este punto inclinado 45º hacia el borde del parlante. La mejor forma para que averigüen esto es que puedan grabarse moviendo el micrófono para luego escuchar las diferencias de sonido y elegir cual es su favorito.
Por suerte cada vez se ve menos pero el mic colgando del cable apuntando hacia el piso es una pésima opción. Si alguien les setea así el mic les aconsejo asegurarse de cambiarlo de posición y desconfiar del sonidista.

El mic mas comúnmente usado para tomar el sonido de un equipo de guitarra es el shure SM57 aunque también sirve el SM58. El Senheisser MD421 es también una excelente opción aunque rara vez lo he visto en un set de sonido en vivo por estos lares (mucho mas común en estudio).
Guitarras eléctricas por línea es algo que realmente desaconsejo, emuladores y demás (me refiero a utilizarlos solos conectados a línea), en fin cada quien con sus gustos y obviamente el estilo pesa en esto pero si la banda tiene volumen sobre el escenario olvídenlo.

ver tambien: Conciertos: VII Necesito mas volumen!!!!!!!!

Stevie Ray Vaughan: Sin Palabras

Adios Les Paul

Lester William Polsfuss (1915-2009) gran guitarrista responsable de un gran número de innovaciones dentro del mundo de la música. Fue junto con Gibson el responsable del diseño de la guitarra que lleva su nombre (Les Paul) una de las mas famosas y usadas en la historia de la guitarra eléctrica.

También fue uno de los pioneros en cuanto al desarrollo y uso de las grabaciones multipistas.

Les dejó un vídeo para que lo recordemos haciendo aquello que fuera su pasión en vida. Tocar la guitarra. Con una Les Paul por supuesto.

Paul McCartney (parte 1)

La generosidad de este hombre no tiene límite. No conforme con regalarnos muchas (muchísimas) de las mas bellas melodías de la historia de la música, nos deja entrar en su cocina para ver los secretos de sus creaciones. El espíritu de los Anthology fue precisamente ese para todos los que sepan ver y escuchar.

Encontré en internet estos 4 vídeos (que publicaré en dos partes) donde nos enseña a tocar el tema Ever Present Past de su album Memory Altmost Full. Algunos verán en estas lecciones la simplicidad de sus partes y podrán aprender del propio Paul como si se tratará de un profesor de barrio. Otros, los mas expertos, podrán visualizar la maravillosa perfección en la simpleza de sus arreglos. Serán estos últimos quienes encontrarán una suerte de Master Class respecto de como producir una canción.

Los dejo con Sir Paul McCartney que se los explicará mucho mejor que yo.

parte 1/4


parte 2/4


PD: algunos tramos del vídeo tienen el audio ligeramente desplazado.
PD2: sigue en Paul McCartney: parte 2

Conciertos: V Monitoreo

Si bien lo ideal es tener una mezcla de monitores por cada músico, esto es algo que lamentablemente nunca sucede o al menos muy ocasionalmente. A la hora de compartir la mezcla es importante que tengamos claro que si no nos escuchamos mas o menos cómodamente TODOS LOS DE LA BANDA estamos en un serio problema. Por este motivo es que debemos hacer grandes concesiones a la hora de armar una mezcla de monitoreo para todos o compartida por muchos teniendo en cuenta que el monitoreo es algo utilitario y no necesariamente placentero. Con esto quiero decir que en la mezcla de monitores yo debo escuchar lo que ‘necesito’ y no lo que ‘me gustaría’. Todo aquello que no sea imprescindible debe desaparecer de los monitores. Cada guitarrista, bajista se escuchara a si mismo por su propio equipo, los teclados suelen ser conflictivos en este punto ya que normalmente no tienen equipo propio sobre el escenario y no tienen otra forma de escucharse a si mismos que por el monitoreo. Tal vez si solo hay 2 mezclas de monitores convenga darle una solo para el tecladista. Cada uno piense mentalmente sus prioridades de escucha. La voz (es la melodía de la canción) la base (Bajo y Batería) y su propio instrumento.

Teniendo en cuenta esto de disponer de una sola mezcla para todos yo pondría en esta bajo y voz (la batería la escucharemos de todas formas) instrumentos acústicos o teclados si los hay y no disponen de equipo de escenario. Y setearía los volúmenes de los equipos sobre el escenario para que cada quien se escuche así mismo. En el centro del escenario (donde usualmente se para el cantante) deberían llegar a nivel parejo todos los volúmenes.

ver también: Conciertos: VI Posición del micrófono en equipos