En el estudio: X - Manejando el presupuesto

A mi modo de ver cuando uno decide grabar un disco lo primero que debe saber es cuanto dinero podrá gastar. En base a esto se tomarán todas las decisiones (de no mediar restricciones económicas ningún músico dudaría encerrarse un mes o más en un estudio consiguiendo los mejores equipos, instrumentos, técnicos, asistentes y etcéteras, a trabajar de manera concentrada diariamente en su obra).

Para decidir como se usa el presupuesto es importante tener en claro todos los gastos que implica la grabación esto es: fletes para llevar todos los instrumentos y equipos al estudio y luego del estudio a donde estaban originalmente, asistentes si es que lo hay, técnico de grabación, productor artístico, horas de grabación de estudio, horas de edición, horas de mezcla, backups de las sesiones (esto incluye el medio de backup hoy día el standard es un disco rígido), mastering. Si decidimos utilizar mas de un estudio también nos consumirá algún tiempo la mudanza de las sesiones (muy rara vez uno lleva una sesión de un estudio a otro y esta abre sin mayores problemas).

Curiosamente en el calculo de gastos casi siempre omitimos el rubro músicos ya que por algún motivo esta casi instalado el tema de que los músicos no cobramos por nuestro trabajo y elijo esta frase como reflexión final para que piensen en ella.

En el estudio: IX - Pro vs. Home

Si estamos por grabar un cd estaremos en una disyuntiva marcada específicamente por el presupuesto que contemos. No existen dudas respecto de la superior calidad de un estudio de grabación profesional respecto de uno casero aunque claro la diferencia en sus costos es realmente grande. Si a esto le sumamos que hoy día la gente escucha la música comprimida en mp3 en parlantes de dudosa calidad muchas veces nos preguntamos si tiene sentido semejante inversión para una calidad de audio que poca gente notará. Este es un terreno casi filosófico que nos lleva a preguntarnos para que hacemos música y en el que no pienso adentrarme en esta nota aunque si los invito a reflexionar acerca de ello. La elección de muchos músicos es una mixtura entre ambos mundos. Esto sería alquilar un estudio de primer nivel para registrar las bases de los temas (esto es en principio baterías y bajo). Con músicos bien ensayados y si los arreglos no son demasiado complejos esto puede resolverse en 2 días de grabación. En estos casos siempre recomiendo recurrir a estudios de primer nivel ya que si bien el precio-hora puede ser mayor es muy común que la rapidez con que se resuelven las cosas en estos sitios nos lleva a un numero final igual o hasta mas económico que en un estudio medio en el que para todo tardamos el doble de tiempo. Si contamos con algo mas de presupuesto y nuestra banda requiere guitarras roqueras y potentes es aconsejable grabarlas también en el estudio (sería impensable una banda como AC/CD usando emuladores) aunque en un material mas pop o con guitarras no tan importantes puede resolverse perfectamente grabándolas en casa.
Luego nos llevamos toda la sesión y seguimos trabajando en otro estudio, para las voces y pequeños instrumentos acústicos existen pequeños estudios excelentemente equipados con nivel profesional a un costo mucho menor.
Otra opción es trabajar directamente en nuestro estudio.

En el estudio: VIII - ¿Cuantos canales puedo usar?

Si bien es cierto que en estudio uno puede abrir canales y grabar guitarras, voces, vientos, cuerdas, y miles de etcéteras es importante decidir de antemano si buscamos un disco que sea reproducible en vivo o no. La respuesta a esta pregunta es la que determinará hasta que punto se usaran o no estos recursos en la grabación.

Es muy común hoy en día que los músicos disparen en vivo secuencias con las grabaciones de estas partes grabadas ( que nadie toca en vivo ) y no se preocupen por esto. Otros consideran inadmisible que suene en vivo algo que no esta tocando nadie y se abstienen de utilizar estos recursos. Por último están los que consideran dos mundos distintos la música de estudio y la música en vivo y aprovechan al máximo las ventajas y limitaciones de cada situación sin pretender que suenen de la misma forma. Estas son las opciones, las decisiones corren por vuestra cuenta.

Mas allá de esto es deseable que cada instrumento tenga su propio canal e incluso varios. Un baterista puede usar normalmente 10 canales, un guitarrista puede microfonear su equipo con varios microfonos y utilizar un canal para cada uno de ellos. De todas formas es bueno siempre tener presente que muchos de los grandes discos de rock se han grabado con una cantidad mínima de canales. Toda la década del 70 y gran parte de los 80 se grabo como mucho en 24 canales. Sgt Pepper, de los beatles, uno de los puntos mas altos en la historia de la música pop/rock del siglo XX se grabo en tan solo 4 canales!!!.

En el estudio: VII - Uso del metrónomo

A esta altura de la historia es absolutamente inadmisible una grabación desafinada y/o fuera de tempo. Es fundamental grabar pero sobre todo ENSAYAR con metrónomo y no solo el baterista sino todos los músicos. Considero este punto de altísima importancia ya que cuando esto no sucede lo normal es que en el estudio de grabación se arreglen estos problemas con herramientas como ‘beat detective’ disponibles para pro-tools. Estas herramientas le quitan todo el toque humano a la música. Cada vez es mas frecuente escuchar bandas que suenan todas iguales y esto es uno mas de los tantos factores de que ello suceda. El manejo del tiempo del ser humano no es en absoluto parecido al de una maquina. Esta lleno de pequeñas imperfecciones que son las que dan su toque, su personalidad. Si escuchan por ejemplo a Charlie Wats en detalle o mas aun lo analizan gráficamente con algún editor de loops como Acid de Sony, verán que es extremadamente pulcro en cuanto al tiempo del primer bombo de cada compás mientras que el resto de los golpes se encuentran ligeramente retrasados, ni hablar si analizamos el particular swing de Ringo Starr donde dentro de su aparente desprolijidad encontraremos una perfección increíble. Ringo al tocar da la sensación de que todo esta por derrumbarse, sin embargo esto nunca sucede. Uno de los pasajes mas increíbles que les propongo escuchar son los feels del puente que une estrofa con estribillo en ‘Oh Darling!’ (Abbey Road) donde Ringo parece apurarse de manera descontrolada. Al salir al estribillo el tempo es exactamente el mismo que el de la estrofa. Esto es estilo, personalidad, algo que los arreglos con maravillosos plugins destruyen 100%.

En el estudio: VI - Experimentando

Si bien puede ser muy estimulante y atractivo experimentar en el estudio, a no ser de que dispongamos de un gran número de dinero para invertir en la grabación es una actividad para nada aconsejable por su altísimo costo.

Todo músico debe saber perfectamente lo que va a tocar para no perder tiempo y por ende dinero.

Recuerdo haber leído en un reportaje realizado a Robert Fripp en el que el comentó que utilizaba una o dos tomas para realizar sus partes de guitarra y el periodista le comenta algo así como que era un genio por ello a lo que él responde: ‘para nada, si no se lo que voy a tocar voy a mi casa lo estudio y vuelvo cuando lo sepa’.

Por supuesto, esta es una de las grandes ventajas de trabajar en un estudio casero. Podemos disponer de cientos y hasta miles de horas para experimentar todo lo que queramos ya que no estamos pagando ese tiempo. De todas formas siempre es bueno decidir un tiempo límite o tope ya que sino puede caerse en el vicio de no terminar nunca un trabajo, y no hay mejor trabajo que aquel que se termina.

En el estudio: V - Planificación del audio

Si estamos encarando la grabación de un disco es conveniente charlar con el técnico y mostrarle ejemplos del sonido que pretendemos obtener. Lo mejor en estos casos es alcanzarle grabaciones de bandas que se aproximen al sonido deseado, obviamente me estoy refiriendo al concepto sonoro y no musical que es algo que no depende en absoluto del técnico. En este punto es importante escuchar los comentarios del técnico acerca de la posibilidad o no de esa sonoridad con los elementos disponibles y no encapricharnos con aquello que no se pueda conseguir (recuerdo una grabación con Mariano López donde le acerque una grabación de acústicas de Tom Petty pidiéndole obtener ese sonido en la grabación de mis guitarras a lo que el me respondió ‘bárbaro conseguí el estudio en Los Ángeles mas los pasajes y lo grabamos’).
También es importante diferenciar el sonido característico de un instrumento del de un instrumentista (no es lo mismo el sonido de una PRS que el de Santana usando una PRS).

Hey Bulldog!

Hay pocas oportunidades de ver a los Beatles trabajando. Lamentablemente en aquella época aun las camaras no habían inundado la vida diaria de las estrellas de rock.
En este vídeo del single incluido posteriormente en la banda sonora de la película Yellow Submarine, podemos verlos grabando y divirtiendose.

Harrison usa una Gibson SG con humbuckers y tremolo bigsby (les recuerdo que en aquella época era común la SG con P90 con usaba Pete Townshend de The Who). Lennon aparece con su Epiphone Casino antes de ser despintada tal con se la ve en los vídeos de Let it be aunque no estoy seguro de que realmente la usara en la grabación de este tema.

Por lo demás lo vemos a Paul usando su Rickembacker y tocando las panderetas, Lennon al piano y ringo en batería.

En el estudio: IV - Producción

Cada vez veo menos valorado el rol del técnico de grabación y el del productor artístico. Lo cierto es que para el éxito de una grabación es necesario coordinar un montón de acciones, de índole técnico (toma de sonido y posterior mezcla), y artístico (elección del repertorio, arreglos, estructura de los temas, elección de músicos en caso de un solista, etc.) además de la elección del o los estudios, el manejo general del presupuesto, y la capacidad de tener en la cabeza el proceso completo de grabación para tomar decisiones acertadas en el momento indicado. Rara vez una persona afectivamente comprometida con su propia obra esta en condiciones de tomar estas decisiones. Por otra parte y especialmente en el caso de las bandas es necesario una persona externa que pueda en todo momento anteponer la obra al ego de sus realizadores.


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En el estudio: III - instrumentos

Cada instrumentista debe garantizar un excelente funcionamiento de su instrumento, equipo, cables y todo otro elemento que vaya a utilizar en la grabación. Es aconsejable enviar instrumentos a un luthier con cierto margen de tiempo ya que muchas veces un calibrado general y profundo del instrumento puede generar alguna cierta incomodidad en él (quedo muy duro, muy blando, las cuerdas bajas, etc.) y es necesario disponer del tiempo para reveer y corregir estas incomodidades.
En muchos casos es aconsejable conseguir, ya sea pidiendo prestado o alquilando, instrumentos/equipos de mayor calidad a los que se posee. Por otra parte si necesitamos cambiar de sonoridad es preferible cambiar de instrumento a estar jugando con ecualizadores y/o procesadores para conseguir esto mismo de manera artificial (si en un tema busco un sonido Beatle para una guitarra nada mas simple que conseguir una Rickembacker que posee exactamente ese sonido).

En el estudio: II - emulando

Escucho muchas veces hablar maravillas de programas como Amp Farm, Guitar Rig, Amplitube, pods y demás.

He realizado la experiencia de grabar en un estudio mi guitarra utilizando varios de los equipos que estos programas o aparatos dicen emular y simultáneamente procesarla con sus respectivas emulaciones para realizar la comparación y la diferencia es abismal.

Cierto es que también es abismal el costo del estudio que me permite grabar con un Marshall mas un Vox a todo volumen (mas probablemente el alquiler de estos equipos) al de grabar por línea en casa y procesar emulando luego.

Por otra parte si bien los emuladores de hoy día pueden emular las características tímbricas y tonales de equipos y efectos de manera bastante convincente, tienen una gran limitante que posee todo equipo digital y es su incapacidad de manejar los desbordes. Esto hace que sus circuitos vengan limitados y comprimidos para su protección y esto mata completamente la dinámica de toque. Como resultado el sonido será igual si toco suavemente que si toco fuerte.

Si bien puede parecer algo menor, pensándolo un poco es una de las cosas que más distingue a un guitarrista de otro, su toque personal, su pulsación, su forma de golpear las cuerdas. Es por este motivo que normalmente no soy amigo del uso de tales aparatos, ya que su fortaleza radica en su bajo costo, su practicidad (muchos sonidos en un pequeño artefacto) y su transportabilidad, a costa de perder en lo que hace a la personalidad sonora del instrumentista, es decir su arte.

Concluyendo como iremos viendo en muchos de los puntos de estas notas nos encontraremos siempre con el costo de una lado de la balanza contra la calidad del sonido en la otra. La decisión en cada caso dependerá de nosotros.

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En el Estudio: I - pro vs. home

Es importante saber que si bien en nuestro hogar podemos disponer del mismo software de grabación que en un estudio profesional, sea esto pro-tools, nuendo, digital performer, etc, resulta normalmente imposible disponer de una variedad de micrófonos, pres, compresores y demás equipos de alta calidad y mas aun de una recinto acústicamente conveniente lo cual es necesario y de suma importancia a la hora de tomar el sonido.

Si bien es cierto que podemos grabar sin problemas teclados MIDI o guitarras eléctricas para luego usar emuladores es claramente imposible grabar una batería acústica, un set de percusión o una sección de vientos completa.

El estudio hogareño nunca tendrá la calidad de un estudio profesional lo que a menudo sucede es que si cuento con un presupuesto acotado es probable que me rinda mas un estudio montado en mi casa en el cual pueda hacer y rehacer las cosas tosas las veces necesarias hasta quedar satisfecho, y en esto podemos estar hablando de miles de horas de grabación a lo largo de varios meses y hasta años, que un estudio de primer nivel en el que tenga que resolver todo en 48 horas.

En el estudio: Presentación

El estudio de grabación es el lugar donde la canción adquiere su forma definitiva o al menos la que mayor cantidad de gente considerará definitiva ya que será la que pueda reproducir una y otra vez.
Este pensamiento muchas veces nos llena de nervios a la hora de entrar al estudio a grabar. Hoy día con las nuevas tecnologías podemos realizar grabaciones de cierta calidad en nuestros propios hogares y este recurso es muy recomendable a la hora de la realización de demos y maquetas y también como una forma de poner en práctica la actividad de grabar en si misma.
Antiguamente debido al alto costo de la hora de grabación en un estudio, sucedía que muchísimos músicos entraba pocas veces en su vida a un estudio de grabación y por ende en ésta actividad se sentían siempre principiantes. Si bien la tecnología hogareña no reemplaza realmente al estudio de grabación, si permite que para muchos de nosotros grabar sea una actividad cotidiana y por ende mucho mas relajada.
A lo largo de este mes iremos presentando artículos que pretenden ayudarnos a encarar la ardua tarea de grabar nuestras canciones.

Paul McCartney: parte 2

Para los que no vieron el comienzo de este post buscar Paul McCartney (parte 1).

Lo que aquí se ve es básicamente a Sir Paul McCartney grabando una canción íntegramente. Los menos avanzados se centrarán posiblemente en ver las partes individuales de guitarras, bajo y batería. Los mas avanzados podrán apreciar la forma de encarar una grabación primero el boceto de referencia (acústica y voz en este caso) que bien puede llegar o no a toma final. La base luego. Batería y bajo. Las guitarras y demás arreglos luego. Si bien el vídeo no llega al proceso final por último se grabarán coros y voz leads. Luego de esto sigue el proceso de edición, mezcla y por último mastering.

También podemos apreciar como graba la intro del tema al final, ya que con la magia de la era digital y el cut & paste ya no es necesario grabar secuencialmente la canción de principio a fin.

Los mas avanzados aun, podrán apreciar aun mas al ver la sencillez en los arreglos y la producción detallista que logran con una increíble economía de recursos un tema contundente y elaborado a partir de elementos por demás simples.

Parte 3/4


Parte 4/4


perdon por los pequeños desfasajes audio - imagen que se aprecian en algunos tramos.

Paul McCartney (parte 1)

La generosidad de este hombre no tiene límite. No conforme con regalarnos muchas (muchísimas) de las mas bellas melodías de la historia de la música, nos deja entrar en su cocina para ver los secretos de sus creaciones. El espíritu de los Anthology fue precisamente ese para todos los que sepan ver y escuchar.

Encontré en internet estos 4 vídeos (que publicaré en dos partes) donde nos enseña a tocar el tema Ever Present Past de su album Memory Altmost Full. Algunos verán en estas lecciones la simplicidad de sus partes y podrán aprender del propio Paul como si se tratará de un profesor de barrio. Otros, los mas expertos, podrán visualizar la maravillosa perfección en la simpleza de sus arreglos. Serán estos últimos quienes encontrarán una suerte de Master Class respecto de como producir una canción.

Los dejo con Sir Paul McCartney que se los explicará mucho mejor que yo.

parte 1/4


parte 2/4


PD: algunos tramos del vídeo tienen el audio ligeramente desplazado.
PD2: sigue en Paul McCartney: parte 2

Trucos de Estudio: Cuerdas al Aire

Todos conocen la peculiar sonoridad de las cuerdas al aire. ¿Que pasaría si quisiera grabar un tema entero con esa sonoridad?. ¿Como hago?.

Lo que cuento a continuación es algo que he usado en alguna que otra grabación con excelentes resultados. Pongamos que tenemos un tema con por ejemplo 3 acordes Sol, Do y Re. Afinamos entonces la guitarra en Open G (6ª=Re, 5ª=Sol, 4ª=Re, 3ª=Sol, 2ª=Si, 1ª=Re) y grabamos en un track todos los Sol Mayor que aparezcan en la canción. Tengan en cuenta que además de la sonoridad de las cuerdas al aire poseen los armónicos del traste 12 y 5 que también nos brindaran un Sol Mayor.

A continuación afinamos la guitarra para que suene al aire un Do Mayor. Podríamos afinar por ejemplo. 6ª=Do, 5ª=Sol, 4ª=Mi, 3ª=Sol, 2ª=Do, 1ª=Do o 6ª=Do, 5ª=Sol, 4ª=Mi, 3ª=Sol, 2ª=Do, 1ª=Sol. bueno tendrían que buscar la afinación que mas se adapte al carácter de la canción y de un Do Mayor al aire. Grabamos entonces todos los Do Mayores que aparezcan en la canción.

Por ultimo hacemos lo mismo con el Re (6ª=Re, 5ª=La, 4ª=Re, 3ª=Fa#, 2ª=La, 1ª=Re). La parte mas difícil de esto es armar la rítmica de la mano derecha para que luego suene como si hubiera sido un único track tocado todo de corrido.

Pruebenlo, verán que pueden obtener resultados muy interesantes y novedosos. ¿Que como lo tocan en vivo? bueno por algo el titulo dice Trucos de Estudio.

Grabando Guitarras Muteadas

Todos conocemos la técnica de mutear cuerdas apoyando la palma de la mano derecha (izquierda para los zurdos) sobre el puente generando un leve asordinamiento de cuerdas.

Si bien en vivo esta técnica no suele presentar grandes dificultades, siendo detallistas en el estudio podemos notar que no todas las notas suenan con un asordinamiento exactamente igual. También puede suceder que querramos tocar algún pasaje que sea particularmente difícil de lograr ya que el tener la mano apoyada sobre el puente el movimiento de esta se ve algo limitado.

Un buen truco en el estudio consiste en mutear las cuerdas colocando esponjas entre la madera y las cuerdas a la altura del puente. Probablemente debamos experimentar un rato hasta encontrar la cantidad de esponja que mutee las cuerdas, no se caiga, y no desafine la guitarra. En este aspecto es aconsejable que la esponja sea lo mas fina posible para que el punto de apoyo de la cuerda no se aleje demasiado del puente.

Una vez encontremos el punto, podremos tocar con la mano derecha libre y con todas las notas sonando exactamente igual de muteadas.

Grabando Guitarras en el Estudio

No hay muchas vueltas si queremos que suene gibson, necesitamos una gibson, si queremos un Marshall necesitamos uno, lo mismo para un Vox, Bogner, o lo que sea. En el estudio no hay emulación. Guitarras, equipos, dedos, eso es todo, esa la verdad.

Primero busquen el sonido con guitarra y equipo, lo ideal seria si no camina poder cambiar, de guitarra o equipo, no es cuestión de mover perillas, el sonido es el indicado o no, solo un ajuste fino puede ser necesario. Muchas veces es conveniente combinar mas de un equipo, puede ser uno que tenga brillo y otro con cuerpo por ej. y la suma de ambos dar el sonido necesario.

De todas formas es importante tener en cuenta que el sonido de la sala por mas bello que sea, no sera el que se escuche, es decir, el sonido que escuchemos en el control sera el mas cercano al que llegara a nuestros oídos una vez grabado y mezclado el tema. Grabense y escuchen.
Para tomar el sonido de los parlantes necesitaran micrófonos dinámicos y cardiodes colocados frente a ellos. Recuerden siempre que el cono entregará un sonido brillante y que el brillo se ira perdiendo a medida que nos alejemos de él.

El Royer R-121 es un gran micrófono para grabar guitarras, Shure Sm57 un clásico, también son muy recomendables el sennheiser MD421, el Shure KSM44 para grabar los ambientes es muy recomendable poseer un Neumann U67, aunque pueden utilizarse buenos micrófonos de condensador como el AKG 414.

Aquí pueden ver el detalle de una grabación de guitarras con 2 equipos utilizando 2 Shure SM57 1 Royer R-121 y un Shure KSM44. Para la grabación del ambiente se estaba utilizando un Neumann U87 (no se ve en la foto).





Como siempre que se utilizan varios micrófonos en simultaneo es importante chequear las fases de los mismos.
Mediante la mezcla de los distintos micrófonos y equipos llegaremos a encontrar el sonido buscado.




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Tips

Les paso aquí algunos trucos caseros (que quede claro que dije caseros eh!!!!), que nos pueden servir para tratar grabaciones.

* Si queremos dar la sensación de stereo en una pista y no poseemos un delay de buena calidad (o por problemas de procesador no queremos cargar mas plugins) podemos duplicar la pista entera y luego desfasarla entre 20 y 80 milisegundos.

* Puede suceder que hayamos grabado un línea de acústica rápidamente y luego nos guste tanto su groove como para no querer rehacerla. Se puede mejorar el sonido flaco de la línea duplicando el track y aplicarle a este nuevo track un compresor multibanda que setearemos muteando las bandas medias y agudas, sobre la banda grave trataremos la compresión hasta lograr un sonido de graves con suficiente presencia. Luego le sumamos el track sin procesar y habremos mejorado notablemente la señal.

* Si vamos a grabar guitarras eléctricas y queremos emular un sonido valvular ayudará pasar la señal por un pre valvular antes de grabarla, existen algunos modelos económicos de marcas como Behringer muy útiles para este fin.

* Si vamos a grabar varias guitarras que luego pasaremos por un emulador, es conveniente usar distintos emuladores (no me refiero a diferentes presets del mismo programa emulador, sino a distintos programas emuladores).

Grabando Acústicas en Casa

Me referire en este artículo en como buscar un sonido de acústica en condiciones no ideales. Vamos a suponer que tenemos un guitarra que puede enchufarse, y que disponemos de un micrófono de condensador económico. También que disponemos de una placa de sonido que nos permite grabar 2 canales por vez.
lo que haremos será armar 2 pistas para grabar en el programa que estemos trabajando (Nuendo, Pro Tools, Cubase, Digital Performer, etc.) en un pista grabaremos la línea de la guitarra. En la otra el microfono apuntando lejos de la boca a una distancia entre 15 y 30 cm. Si bien el mejor sonido de obtiene colocando el microfono mas alejado, en un ambiente no controlado como suele ser nuestra casa obtendremos un sonido demasiado difuso que no nos servira de mucho. Apuntando el mic hacie el mástil de la guitarra obtendremos un sonido mas grave y con menos ataque mientras que acercandonos al puente obtendremos mas agudos y un ataque mas definido, tendrán que ir probando para encontrar lo que mas les guste.
Tambien es buena opción apagar el ambiente con telas en las paredes y/o techo, todo es cuestion de experimentar.
luego construiran el sonido mezclando ambos canales, en la línea tendran agudos y ataque, mientras que en el mic, tendran los graves, el cuerpo y cualquier sonido de golpe sobre la tapa del instrumento. busquen el balance entre ambois sonidos para obtener un sonido cercano a lo real.
Les recuerdo que no estoy hablando de la situación ideal de como se graba una acústica sino de como encontrar un buen sonido en un pequeño estudio casero.

Grabando Guitarras en Casa II

Vamos a suponer que ya leyeron el artículo Grabando Guitarras en Casa, y que poseen una placa míniamente decente para poder grabar desde la computadora.
Normalmente la primer tarea que uno debe hacer cuando trabaja en su casa con un pequeño estudio casero es descubrir cual es la forma de obtener el mejor sonido con las cosas que tiene a su alcance. Para esto lo mejor es grabar de varias maneras distintas hasta ir encontrando la que mas rinde.
Si poseen un equipo de guitarra cuyo sonido les guste, yo les sugiero grabar de la siguiente forma. Utilizar un canal de para grabar la guitarra directamente por línea y un segundo canal para grabar el equipo con micrófono (pueden ver como en el artículo Toma de Sonido).
En el soft multitrack que esten usando (Nuendo, Cubase, Pro Tools, Digital Performer, etc.) tendrán que armar dos canales mono y grabaran por separado ambas fuentes sonoras. Les propongo experimentar con emuladores utilizando los mismos seteos en ambos casos para ir descubriendo las diferentes formas de respuesta. También prueben mezclar a distintos niveles ambas fuentes sonoras, con distintas ubicaciones en el espacio (uno sobre la izq. y otro sobre la der.), en realidad les propongo que se expriman el cerebro probando todas las distintas combinaciones que se les ocurran y verán que buscando podrán llegar a un gran sonido (probablemente esto no ocurrirá en lo primero que graben pero no duden que ocurrirá).